Tagging
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title:Tagging artist:Makoto Murata / 村田 真 year:2011 media:oil on canvas / キャンバスに油彩 size:112 x 194 cm 村田真は『ぴあ』編集者を経て美術ジャーナリストとして長らく活躍し、「美術家になるには」(2002/なるにはBOOKS)、「アートのみかた」(2010/BankART)、「いかに戦争は描かれたか」(2017/BankART 1929)など多数の著書を出版、朝日新聞や北海道新聞に美術評を書くかたわらBankARTスクール校長を務め、長年に渡り日本の美術界に大きく貢献してきました。 美術に関する書き手としてはよく知られている村田ですが、作家としての制作も同時に再開したのは15年前になります。フェルメールの「画中画」を描くことから始め、高橋由一の「豆腐」を考察し、キャンバス自体を豆腐や焼き豆腐、油揚げに見立て描いた「豆腐絵画」や、キャンバスを画集そのものに仕立てオリジナルに酷似した装丁を描いてみせた『画集』・『絵画芸術』シリーズなどの作品を発表。絵画史を引用したユーモラスな作品群は、美術ジャーナリストとして長年作品を客観的に批評してきた村田ならではのユニークな視点によって制作されています。 「ファン・エイクからジャクソン・ポロックまで、50余人の名高い画家のサインを書き重ねたもの。サインは画集などから採取。黒はフランス、赤はイタリア、青はオランダ+ベルギー、黄色はドイツ語圏と色分けした。ポロックで終わっているのは、それ以降の画家がほとんどサインを書かなくなったから。タイトルの「タギング」とは、グラフィティ用語でライターのコードネームを記すこと(タグは「商標」)。それによって名を広く知らしめると同時に、ナワバリを主張するマーキングの意味もある。さて、展覧会に行くと、絵そのものより作者名ばかり見ている人がいる。その人にとって絵とは画家の代名詞にすぎないのかもしれない。」(村田真) Makoto Murata has worked actively as an art journalist after serving for PIA as an editor and was in charge of "Van Gogh" and "Vermeer" issue of Seiyo-kaiga no kyosho (Masters of Western Painting) series (Shogakukan). He also published Bijutsuka ni naruniwa (How to Become an Artist) (2002, Naruniwa BOOKS) and Cloer Perspectives on Art (2010, BankART), collecting his exhibition reviews published on a web magazine "artscape" for a decade since 1999. He currently serves as the principal at BankART School along with writing art reviews on the Asahi Shimbun and the Hokkaido Shimbun Press. He has made significant contributions to the art world in Japan over years. While known as a journalist from the critic side, Murata restarted making his own works as an artist 12 years ago, three decades after his graduation from an art college. He started his artistic activity with painting Vermeer’s “picture in picture.” Since then, he has presented works such as “Tofu Painting” where he used the canvas itself to resemble a tofu, a grilled tofu or a deep-fried bean curd after examining “Tofu” by Yuichi Takahashi, and the “Series of Great Masters” and the “Art of Painting” series, where he painted covers of art books on the canvas to resemble the books themselves. Murata creates works by referring to art history from his unique perspective as an art journalist who has critiqued art works in an objective way for years. for more information : http://snowcontemporary.com/exhibition/201807.html Please do not proceed with the payment if you live outside Japan. Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" for the estimate of the shipment fee.
¥ 660,000
 
Re-Fossilization / 再化石
Re-Fossilization / 再化石
title:Re-Fossilization / 再化石 artist:Yumiko Shinozaki / 篠崎裕美子 year:2019 media:ceramic, glass, pot purchased at a recycling shop size: H38 × W33 × D25 cm *本作には、展示の風景画像内の台座は含まれません。 / The pedestal in the exhibition image is not included. 篠崎裕美子は1987年福岡県に生まれ、2011年に大阪芸術大学大学院修士課程を修了した陶芸家です。独特な造形手法により現代社会を表現するその世界観は、陶芸のジャンルを越えた現代表現として高く評価されています。篠崎はこれまでに、2017年SNOW Contemporaryでの個展「Red Data」をはじめ、「現代工芸への視点 装飾の力」(2009/東京国立近代美術館工芸館 東京)、「Red Bull Music Academy Tokyo」(2014/Red Bull本社 東京)など、美術館やギャラリー、オフィスや百貨店など様々な会場にて数々の意欲的なグループ展に参加してきました。 一見するとお菓子やおもちゃを連想させるカラフルでファンシーな表現でありながら、ひび割れや気泡のような表皮をまとった質感は、陶器でありながら生々しく有機的できわめて触覚的です。また、キッチュな作風の中にも現代社会が抱える問題や現象が潜んでいます。インターネットにおいて氾濫しては消滅するポルノやアニメのイメージや、生物、ウィルス、細胞など人間の活動によって絶滅に追いやられた自然物を、陶やガラスなど半永久的な素材を使用した自らの陶芸作品に取り込むことで、それらが「存在していた」という証を打ち立て、永続的な「生命」をもたらしているのです。 ceramic artist. Yumiko Shinozaki was born in 1987 in Fukuoka Prefecture and completed her M.A. at Osaka University of Arts Graduate School in 2011. Although the viewer may recall candies or toys from its colorful and fancy appearances, the texture of her works cracks and air bubbles are rather raw and organic, and highly haptic. Its unique figure triggers the viewer to an uneasy state as though when encountering something you'd never experienced before, while at the same time stimulates the viewer's curiosity and evokes creativity. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/shinozaki_yumiko.html Please do not proceed with the payment if you live outside Japan. Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" for the estimate of the shipment fee.
¥ 385,000
 
HARD ON
HARD ON
title:HARD ON artist:Yumiko Shinozaki / 篠崎裕美子 year:2019 media:ceramic, glass, pot purchased at a recycling shop / 陶・ガラス・リサイクルショップで買った壺 size:D21× W21 × H45 cm *本作には、展示の風景画像内の台座は含まれません。 / The pedestal in the exhibition image is not included. 篠崎裕美子は1987年福岡県に生まれ、2011年に大阪芸術大学大学院修士課程を修了した陶芸家です。独特な造形手法により現代社会を表現するその世界観は、陶芸のジャンルを越えた現代表現として高く評価されています。篠崎はこれまでに、2017年SNOW Contemporaryでの個展「Red Data」をはじめ、「現代工芸への視点 装飾の力」(2009/東京国立近代美術館工芸館 東京)、「Red Bull Music Academy Tokyo」(2014/Red Bull本社 東京)など、美術館やギャラリー、オフィスや百貨店など様々な会場にて数々の意欲的なグループ展に参加してきました。 一見するとお菓子やおもちゃを連想させるカラフルでファンシーな表現でありながら、ひび割れや気泡のような表皮をまとった質感は、陶器でありながら生々しく有機的できわめて触覚的です。また、キッチュな作風の中にも現代社会が抱える問題や現象が潜んでいます。インターネットにおいて氾濫しては消滅するポルノやアニメのイメージや、生物、ウィルス、細胞など人間の活動によって絶滅に追いやられた自然物を、陶やガラスなど半永久的な素材を使用した自らの陶芸作品に取り込むことで、それらが「存在していた」という証を打ち立て、永続的な「生命」をもたらしているのです。 ceramic artist. Yumiko Shinozaki was born in 1987 in Fukuoka Prefecture and completed her M.A. at Osaka University of Arts Graduate School in 2011. Although the viewer may recall candies or toys from its colorful and fancy appearances, the texture of her works cracks and air bubbles are rather raw and organic, and highly haptic. Its unique figure triggers the viewer to an uneasy state as though when encountering something you'd never experienced before, while at the same time stimulates the viewer's curiosity and evokes creativity. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/shinozaki_yumiko.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 275,000
 
Doggy SAGA
Doggy SAGA
title:Doggy SAGA artist:Yumiko Shinozaki / 篠崎裕美子 year:2019 media:ceramic, glass / 陶・ガラス size:21 x 25 x 17 cm 篠崎裕美子は1987年福岡県に生まれ、2011年に大阪芸術大学大学院修士課程を修了した陶芸家です。独特な造形手法により現代社会を表現するその世界観は、陶芸のジャンルを越えた現代表現として高く評価されています。篠崎はこれまでに、2017年SNOW Contemporaryでの個展「Red Data」をはじめ、「現代工芸への視点 装飾の力」(2009/東京国立近代美術館工芸館 東京)、「Red Bull Music Academy Tokyo」(2014/Red Bull本社 東京)など、美術館やギャラリー、オフィスや百貨店など様々な会場にて数々の意欲的なグループ展に参加してきました。 一見するとお菓子やおもちゃを連想させるカラフルでファンシーな表現でありながら、ひび割れや気泡のような表皮をまとった質感は、陶器でありながら生々しく有機的できわめて触覚的です。また、キッチュな作風の中にも現代社会が抱える問題や現象が潜んでいます。インターネットにおいて氾濫しては消滅するポルノやアニメのイメージや、生物、ウィルス、細胞など人間の活動によって絶滅に追いやられた自然物を、陶やガラスなど半永久的な素材を使用した自らの陶芸作品に取り込むことで、それらが「存在していた」という証を打ち立て、永続的な「生命」をもたらしているのです。 ceramic artist. Yumiko Shinozaki was born in 1987 in Fukuoka Prefecture and completed her M.A. at Osaka University of Arts Graduate School in 2011. Although the viewer may recall candies or toys from its colorful and fancy appearances, the texture of her works cracks and air bubbles are rather raw and organic, and highly haptic. Its unique figure triggers the viewer to an uneasy state as though when encountering something you'd never experienced before, while at the same time stimulates the viewer's curiosity and evokes creativity. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/shinozaki_yumiko.html
¥ 330,000
 
Immortal Porn / 不滅ポルノ
Immortal Porn / 不滅ポルノ
title:Immortal Porn / 不滅ポルノ artist:Yumiko Shinozaki / 篠崎裕美子 year:2016 media:ceramic / 陶 size: 57 × 37 × h38 cm *写真に掲載されている台座は含まれません。/ The pedestal in this image is not included. 篠崎裕美子は1987年福岡県に生まれ、2011年に大阪芸術大学大学院修士課程を修了した陶芸家です。独特な造形手法により現代社会を表現するその世界観は、陶芸のジャンルを越えた現代表現として高く評価されています。篠崎はこれまでに、2017年SNOW Contemporaryでの個展「Red Data」をはじめ、「現代工芸への視点 装飾の力」(2009/東京国立近代美術館工芸館 東京)、「Red Bull Music Academy Tokyo」(2014/Red Bull本社 東京)など、美術館やギャラリー、オフィスや百貨店など様々な会場にて数々の意欲的なグループ展に参加してきました。 一見するとお菓子やおもちゃを連想させるカラフルでファンシーな表現でありながら、ひび割れや気泡のような表皮をまとった質感は、陶器でありながら生々しく有機的できわめて触覚的です。また、キッチュな作風の中にも現代社会が抱える問題や現象が潜んでいます。インターネットにおいて氾濫しては消滅するポルノやアニメのイメージや、生物、ウィルス、細胞など人間の活動によって絶滅に追いやられた自然物を、陶やガラスなど半永久的な素材を使用した自らの陶芸作品に取り込むことで、それらが「存在していた」という証を打ち立て、永続的な「生命」をもたらしているのです。 ceramic artist. Yumiko Shinozaki was born in 1987 in Fukuoka Prefecture and completed her M.A. at Osaka University of Arts Graduate School in 2011. Although the viewer may recall candies or toys from its colorful and fancy appearances, the texture of her works cracks and air bubbles are rather raw and organic, and highly haptic. Its unique figure triggers the viewer to an uneasy state as though when encountering something you'd never experienced before, while at the same time stimulates the viewer's curiosity and evokes creativity. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/shinozaki_yumiko.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 250,000 SOLD OUT
 
asexual reproduction / 無性生殖
asexual reproduction / 無性生殖
title:asexual reproduction / 無性生殖 artist:Riyoo Kim / 金 理有 year:2014 media:ceramic / 陶器 size:26 × 17 × 15 cm 日本人の父と韓国人の母のもと、1980年に大阪府に生まれ、2006 年に大阪芸術大学大学院芸術制作研究科修士課程修了した金理有(きむ りゆ)は、現代日本を代表する若手陶芸家の一人です。表面を埋め尽くす幾何学模様の溝や、メタリックに光る黒や燻銀色の釉、そして眼光鋭い「ひとつ目」。これまでの陶器にはない金のこうした独自の作風は陶芸界にとどまらず、「ヨコハマトリエンナーレ 2011」や自らがキュレーションを担当した「ARTs of JOMON」(hpgrp NY)等、数多くの個展やグループ展に出品し、現代美術界からも高い評価を得てきました。 大学時代から長く陶芸を学んできた金は、縄文土器が持つ生命力に強く惹かれると同時に、ヒップホップをはじめ、グラフィティ、タトゥー、ラップやヒューマンビートボックス、DJ、SF映画など、同時代のストリートカルチャーにも大きく影響を受けたと言います。特に、毎日のように通ったクラブでの光景は「日常生活の抑圧を洗い流す祭祀空間で、パフォーマーは特殊な技芸を披露する巫女のよう」に見えていたようです。土器そのものが生命体であるかのような古代的な土着性や、陶器とは思えぬメタリックで工業的な近未来性が一つの作品内に融合されている様は、こうした金の実体験から生まれ、強い説得力をもって観る者に迫ります。 Born under a Japanese father and a Korean mother in Osaka in 1980, he completed his MA at Osaka University of Arts Graduate School in Fine Art, and now is one of the young leading ceramic artists representing Japan. The geometric-pattern ditches filling all over the surfaces, the glossy shining metallic black and oxidized silver glaze, and the piecing sharp “one-eye.” Kim’s unique approaches beyond existing ceramics have been highly esteemed from not only people among the ceramics field but also from the contemporary art field, through his numerous solo exhibitions as well as group exhibition appearances, including the “Yokohama Triennale 2011” and “ARTs of JOMON” (hrgrp NY) which he curated himself. Kim who studied ceramics for some long period back from his years in university, says he was strongly attracted by the vital spirit of Jomon earthenware, and also heavily influenced by the street culture of his age including hip-hop, graffiti, tattoos, rappers, human beat boxers, DJs, SF movies and others. He especially recalls nightclub scenes he’d go every night were as “a worship space where I could wash away my daily-life oppression, and performers were alike mikos (oracles) unveiling their special artistry.” His earthenware almost like living creatures with its unique ancient indignity, together with its industrial and neo-futuristic metallic impressions all combined together into one piece of art, arise from such true experiences of the artist and approaches the viewers with strong persuasiveness. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/kim_riyoo.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 165,000
 
Kirinji / 麒麟児
Kirinji / 麒麟児
title:Kirinji / 麒麟児 artist:Riyoo Kim / 金 理有 year:2016 media:ceramic / 陶器 size:H40cm W28cm D25cm 日本人の父と韓国人の母のもと、1980年に大阪府に生まれ、2006 年に大阪芸術大学大学院芸術制作研究科修士課程修了した金理有(きむ りゆ)は、現代日本を代表する若手陶芸家の一人です。表面を埋め尽くす幾何学模様の溝や、メタリックに光る黒や燻銀色の釉、そして眼光鋭い「ひとつ目」。これまでの陶器にはない金のこうした独自の作風は陶芸界にとどまらず、「ヨコハマトリエンナーレ 2011」や自らがキュレーションを担当した「ARTs of JOMON」(hpgrp NY)等、数多くの個展やグループ展に出品し、現代美術界からも高い評価を得てきました。 大学時代から長く陶芸を学んできた金は、縄文土器が持つ生命力に強く惹かれると同時に、ヒップホップをはじめ、グラフィティ、タトゥー、ラップやヒューマンビートボックス、DJ、SF映画など、同時代のストリートカルチャーにも大きく影響を受けたと言います。特に、毎日のように通ったクラブでの光景は「日常生活の抑圧を洗い流す祭祀空間で、パフォーマーは特殊な技芸を披露する巫女のよう」に見えていたようです。土器そのものが生命体であるかのような古代的な土着性や、陶器とは思えぬメタリックで工業的な近未来性が一つの作品内に融合されている様は、こうした金の実体験から生まれ、強い説得力をもって観る者に迫ります。 Born under a Japanese father and a Korean mother in Osaka in 1980, he completed his MA at Osaka University of Arts Graduate School in Fine Art, and now is one of the young leading ceramic artists representing Japan. The geometric-pattern ditches filling all over the surfaces, the glossy shining metallic black and oxidized silver glaze, and the piecing sharp “one-eye.” Kim’s unique approaches beyond existing ceramics have been highly esteemed from not only people among the ceramics field but also from the contemporary art field, through his numerous solo exhibitions as well as group exhibition appearances, including the “Yokohama Triennale 2011” and “ARTs of JOMON” (hrgrp NY) which he curated himself. Kim who studied ceramics for some long period back from his years in university, says he was strongly attracted by the vital spirit of Jomon earthenware, and also heavily influenced by the street culture of his age including hip-hop, graffiti, tattoos, rappers, human beat boxers, DJs, SF movies and others. He especially recalls nightclub scenes he’d go every night were as “a worship space where I could wash away my daily-life oppression, and performers were alike mikos (oracles) unveiling their special artistry.” His earthenware almost like living creatures with its unique ancient indignity, together with its industrial and neo-futuristic metallic impressions all combined together into one piece of art, arise from such true experiences of the artist and approaches the viewers with strong persuasiveness. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/kim_riyoo.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 330,000
 
Kagomebou / 華護眼坊
Kagomebou / 華護眼坊
title:Kagomebou / 華護眼坊 artist:Riyoo Kim / 金 理有 year:2014 media:ceramic / 陶器 size:H23cm W40cm D38cm 日本人の父と韓国人の母のもと、1980年に大阪府に生まれ、2006 年に大阪芸術大学大学院芸術制作研究科修士課程修了した金理有(きむ りゆ)は、現代日本を代表する若手陶芸家の一人です。表面を埋め尽くす幾何学模様の溝や、メタリックに光る黒や燻銀色の釉、そして眼光鋭い「ひとつ目」。これまでの陶器にはない金のこうした独自の作風は陶芸界にとどまらず、「ヨコハマトリエンナーレ 2011」や自らがキュレーションを担当した「ARTs of JOMON」(hpgrp NY)等、数多くの個展やグループ展に出品し、現代美術界からも高い評価を得てきました。 大学時代から長く陶芸を学んできた金は、縄文土器が持つ生命力に強く惹かれると同時に、ヒップホップをはじめ、グラフィティ、タトゥー、ラップやヒューマンビートボックス、DJ、SF映画など、同時代のストリートカルチャーにも大きく影響を受けたと言います。特に、毎日のように通ったクラブでの光景は「日常生活の抑圧を洗い流す祭祀空間で、パフォーマーは特殊な技芸を披露する巫女のよう」に見えていたようです。土器そのものが生命体であるかのような古代的な土着性や、陶器とは思えぬメタリックで工業的な近未来性が一つの作品内に融合されている様は、こうした金の実体験から生まれ、強い説得力をもって観る者に迫ります。 Born under a Japanese father and a Korean mother in Osaka in 1980, he completed his MA at Osaka University of Arts Graduate School in Fine Art, and now is one of the young leading ceramic artists representing Japan. The geometric-pattern ditches filling all over the surfaces, the glossy shining metallic black and oxidized silver glaze, and the piecing sharp “one-eye.” Kim’s unique approaches beyond existing ceramics have been highly esteemed from not only people among the ceramics field but also from the contemporary art field, through his numerous solo exhibitions as well as group exhibition appearances, including the “Yokohama Triennale 2011” and “ARTs of JOMON” (hrgrp NY) which he curated himself. Kim who studied ceramics for some long period back from his years in university, says he was strongly attracted by the vital spirit of Jomon earthenware, and also heavily influenced by the street culture of his age including hip-hop, graffiti, tattoos, rappers, human beat boxers, DJs, SF movies and others. He especially recalls nightclub scenes he’d go every night were as “a worship space where I could wash away my daily-life oppression, and performers were alike mikos (oracles) unveiling their special artistry.” His earthenware almost like living creatures with its unique ancient indignity, together with its industrial and neo-futuristic metallic impressions all combined together into one piece of art, arise from such true experiences of the artist and approaches the viewers with strong persuasiveness. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/kim_riyoo.html Please do not proceed with the payment if you live outside Japan. Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" for the estimate of the shipment fee.
¥ 330,000
 
Re:masturbation / Re:マスターベーショ ン
Re:masturbation / Re:マスターベーショ ン
title:Re:masturbation / Re:マスターベーショ ン artist:Kota Takeuchi / 竹内公太 year:2011-2016 media:C print, acrylic mount, permanent marker ED:100 / C プリント、アクリル マウント、油性ペン、ED100 size:29.6 x 39.5cm 1982年生まれの竹内は、2008年東京藝術大学美術学部先端芸術表現科を卒業し、現在は福島県を拠点に活動しています。竹内はこれまで、ふくいちライブカメラのモニターに突如現れた指差し作業員の代理人として災害を見る側の意識と匿名表現者の自意識を浮き彫りにした「公然の秘密」(2012 / SNOW Contemporary、東京) や、遺物を中心に刻まれた記憶を辿った「影を食う光」(2013 / 森美術館、福島)、手(=携帯機器)で情報を取得する我々の風景をとらえた「手の目」(2014 / SNOW Contemporary、東京)、福島県いわき市の図書館で出会った書籍に掲載された石碑巡りをトレースすることでメディアの性質と人の記憶の有り様を示した「写真は石碑を石にする、それでも人は」(2017 / SNOW Contemporary)など、緻密なリサーチを元に、絵画や彫刻、写真、インスタレーションなど一定の表現方法にこだわらない多岐にわたるメディアによる展示を展開し、記憶や記録に転換する際のメディアの在り方や受け手の意識を浮き彫りにしてきました。 Takeuchi was born in 1982, and received B.F.A. at Tokyo University of the Arts, Department of Fine Arts, Intermedia Art in 2008. He currently lives and works in Fukushima, Japan. In his previous activities, Takeuchi has highlighted consciousness of viewers of the disaster as well as self-consciousness of anonymous performers by suddenly appeared in front of the Fukushima Dai-ichi nuclear plant live monitoring camera as an agent of a Finger Pointing Worker in his solo exhibition "Open Secret" (2012 / SNOW Contemporary, Tokyo), or traced buried memories including artifacts in "Sight Consuming Shadows" (2013 / Mori Art Museum, Fukushima), or captured our landscapes in which we acquire information from our hand (=mobile phone) in "Eyes on Hand" (2014 / SNOW Contemporary, Tokyo). Furthermore, he disclosed the state of human memory through tracing the path of the stone monument tour documented in the book he encountered at a library in Iwaki, Fukushima, in his solo exhibition “Photographs turn stone monuments into mere stone, but even so people take them” (2017 / SNOW Contemporary, Tokyo), and has continuously been disclosing the nature of media and its recipients through intensive research and presentation in variable forms of art, including paintings, sculptures, photography, or installations. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/takeuchi_kota.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 55,000 SOLD OUT
 
From the Moment of Recording, It Became Peeping. / 録画した瞬間それは覗きになった
From the Moment of Recording, It Became Peeping. / 録画した瞬間それは覗きになった
title:From the Moment of Recording, It Became Peeping. / 録画した瞬間それは覗きになった artist:Kota Takeuchi / 竹内公太 year:2011 media:HDD / ED20 size:91min 56sec *HDD(ハードディスクドライブ)にデータが保存された映像作品となります。/ This is a video work which data is stored on the HDD(hard disc drive). [左 / image left] 映像作品のキャプチャ画像 / A captured image of a video work. [中央 / image middle] 展示風景 / exhibition scenery. [右 / image right] 作品現物の画像 / An image of the actual work 1982年生まれの竹内は、2008年東京藝術大学美術学部先端芸術表現科を卒業し、現在は福島県を拠点に活動しています。竹内はこれまで、ふくいちライブカメラのモニターに突如現れた指差し作業員の代理人として災害を見る側の意識と匿名表現者の自意識を浮き彫りにした「公然の秘密」(2012 / SNOW Contemporary、東京) や、遺物を中心に刻まれた記憶を辿った「影を食う光」(2013 / 森美術館、福島)、手(=携帯機器)で情報を取得する我々の風景をとらえた「手の目」(2014 / SNOW Contemporary、東京)、福島県いわき市の図書館で出会った書籍に掲載された石碑巡りをトレースすることでメディアの性質と人の記憶の有り様を示した「写真は石碑を石にする、それでも人は」(2017 / SNOW Contemporary)など、緻密なリサーチを元に、絵画や彫刻、写真、インスタレーションなど一定の表現方法にこだわらない多岐にわたるメディアによる展示を展開し、記憶や記録に転換する際のメディアの在り方や受け手の意識を浮き彫りにしてきました。 Takeuchi was born in 1982, and received B.F.A. at Tokyo University of the Arts, Department of Fine Arts, Intermedia Art in 2008. He currently lives and works in Fukushima, Japan. In his previous activities, Takeuchi has highlighted consciousness of viewers of the disaster as well as self-consciousness of anonymous performers by suddenly appeared in front of the Fukushima Dai-ichi nuclear plant live monitoring camera as an agent of a Finger Pointing Worker in his solo exhibition "Open Secret" (2012 / SNOW Contemporary, Tokyo), or traced buried memories including artifacts in "Sight Consuming Shadows" (2013 / Mori Art Museum, Fukushima), or captured our landscapes in which we acquire information from our hand (=mobile phone) in "Eyes on Hand" (2014 / SNOW Contemporary, Tokyo). Furthermore, he disclosed the state of human memory through tracing the path of the stone monument tour documented in the book he encountered at a library in Iwaki, Fukushima, in his solo exhibition “Photographs turn stone monuments into mere stone, but even so people take them” (2017 / SNOW Contemporary, Tokyo), and has continuously been disclosing the nature of media and its recipients through intensive research and presentation in variable forms of art, including paintings, sculptures, photography, or installations. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/takeuchi_kota.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 88,000
 
Portable Mind, Tokyo / ポータブルマインド東京
Portable Mind, Tokyo / ポータブルマインド東京
title:Portable Mind, Tokyo / ポータブルマインド東京 artist:Kota Takeuchi / 竹内公太 year:2008 media:oil on canvas, 9 photos size: canvas:45.5x37.9cm photo:17.8x12.7cm(each) 1982年生まれの竹内は、2008年東京藝術大学美術学部先端芸術表現科を卒業し、現在は福島県を拠点に活動しています。竹内はこれまで、ふくいちライブカメラのモニターに突如現れた指差し作業員の代理人として災害を見る側の意識と匿名表現者の自意識を浮き彫りにした「公然の秘密」(2012 / SNOW Contemporary、東京) や、遺物を中心に刻まれた記憶を辿った「影を食う光」(2013 / 森美術館、福島)、手(=携帯機器)で情報を取得する我々の風景をとらえた「手の目」(2014 / SNOW Contemporary、東京)、福島県いわき市の図書館で出会った書籍に掲載された石碑巡りをトレースすることでメディアの性質と人の記憶の有り様を示した「写真は石碑を石にする、それでも人は」(2017 / SNOW Contemporary)など、緻密なリサーチを元に、絵画や彫刻、写真、インスタレーションなど一定の表現方法にこだわらない多岐にわたるメディアによる展示を展開し、記憶や記録に転換する際のメディアの在り方や受け手の意識を浮き彫りにしてきました。 Takeuchi was born in 1982, and received B.F.A. at Tokyo University of the Arts, Department of Fine Arts, Intermedia Art in 2008. He currently lives and works in Fukushima, Japan. In his previous activities, Takeuchi has highlighted consciousness of viewers of the disaster as well as self-consciousness of anonymous performers by suddenly appeared in front of the Fukushima Dai-ichi nuclear plant live monitoring camera as an agent of a Finger Pointing Worker in his solo exhibition "Open Secret" (2012 / SNOW Contemporary, Tokyo), or traced buried memories including artifacts in "Sight Consuming Shadows" (2013 / Mori Art Museum, Fukushima), or captured our landscapes in which we acquire information from our hand (=mobile phone) in "Eyes on Hand" (2014 / SNOW Contemporary, Tokyo). Furthermore, he disclosed the state of human memory through tracing the path of the stone monument tour documented in the book he encountered at a library in Iwaki, Fukushima, in his solo exhibition “Photographs turn stone monuments into mere stone, but even so people take them” (2017 / SNOW Contemporary, Tokyo), and has continuously been disclosing the nature of media and its recipients through intensive research and presentation in variable forms of art, including paintings, sculptures, photography, or installations. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/takeuchi_kota.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 275,000
 
GODDESS
GODDESS
title:GODDESS artist:Atsuhiro Ito / 伊東篤宏 year:2012 media:Mixed media / ミクストメディア size:66 × 30 × 30 cm *本作品は受注制作となるため、作品発送まで1か月程度かかります。 *完成作品は掲載写真と若干異なる可能性がありますので、ご了承の上ご購入ください。 1965年生まれの伊東篤宏は、1992年に多摩美術大学大学院美術研究科を修了し、1990年代より蛍光灯を素材としたインスタレーションをはじめました。主な展覧会に「六本木クロッシング / New Visions Contemporary Japanese Art 2004」(2004/森美術館)、個展「V.R.」(2009/原美術館)、個展「Paint & Collage Works 2010」(2010/NADiff a/p/a/r/t)などがあります。また、98年からはインスタレーション作品と同素材である蛍光灯を使用した 自作”音具”「オプトロン」によるサウンド・パフォーマンスを開始します。様々なジャンルのパフォーマーたちと共演・コラボレーションをおこなうと同時に、「シンガ ポール アーツ フェスティバル 2010」(2010/Supperclub シンガポール)や「NJP SUMMER FESTIVAL 21ROOMS」(2011/Nam June Paik Art Center 韓国)など、世界各国から数多くの招聘を受けています。 伊東篤宏の表現活動において、欠かす事のできないマテリアルとして「蛍光灯」があります。伊東は1990年代より、蛍光灯それ自体を中心にすえ作品を制作してきました。初期は、ライトボックス型パネルなどを使った平面作品でしたが、徐々に外枠や構造体を省くことでミニマル化し、98年には蛍光灯そのものを素材とした音具「オプトロン」を制作するに至ります。「オプトロン」を使ったパフォーマンに取り組むようになったのも、この頃です。蛍光灯が発光するときに放電されるノイズを増幅/コントロールすることで放出される音と光の激しい明滅で構成されるパフォーマンスは、観る者の視覚と聴覚を強烈に刺激します。視覚に訴える初期のインスタレーション作品から、「オプトロン」が制作されたことにより、視覚行為に加え聴覚という新たな感覚を喚起させることとなったのです。蛍光灯というきわめて日常的なモノが、通電することで発光し電磁ノイズを放出する、場合によっては凶器にもなりうる「オプトロン」という音具へと転換されることへの違和感とダイナミズム、そして我々の内にある未知の感覚が広がることで得られる開放感と刺激は、伊東作品だけがもつ特質です。 *Since this work is made to order, it will take about a month to ship the work. *Please note that the final artwork may differ slightly from the photo shown. Atuhiro Ito, an artist and OPTRON player born in 1965, graduated from Tama Art University Master's Degree Course in 1992. Ito launched his career as a visual artist in the late ’80s, and in 1998 began presenting sound performances all over the world with his own made instrument called “optron” which produces noises from the electrical discharge of a fluorescent light. The music played on optron is a repetition of intense flickers of light and noises and it stimulates and attacks our visual and auditory senses. His major exhibitions include “Roppongi Crossing”(2004 / Mori Art Museum), solo exhibition “V.R.”(2009 / Hara Museum) and solo exhibition “Paint & Collage Works 2010”(2010 / NADiff a/p/a/r/t). Ito also performs extensively worldwide, including "NJP SUMMER FESTIVAL 21ROOMS" (Nam June Paik Art Center, Korea, 2011) and "Singapore Arts Festival 2010” (Supperclub, Singapore, 2010). In addition to his solo exhibition and performance projects, Ito participates in a number of musical units, from rock to jazz band, sound performers and dancers. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/ito_atsuhiro.html Please do not proceed with the payment if you live outside Japan. Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" for the estimate of the shipment fee.
¥ 165,000
 
untitled
untitled
title:untitled artist:Atsuhiro Ito / 伊東篤宏 year:1996-2012 media:Mixed media / ミクストメディア size:51.7 × 36.7 × 13.5 cm *本作品は受注制作となるため、作品発送まで1か月程度かかります。 *完成作品は掲載写真と若干異なる可能性がありますので、ご了承の上ご購入ください。 1965年生まれの伊東篤宏は、1992年に多摩美術大学大学院美術研究科を修了し、1990年代より蛍光灯を素材としたインスタレーションをはじめました。主な展覧会に「六本木クロッシング / New Visions Contemporary Japanese Art 2004」(2004/森美術館)、個展「V.R.」(2009/原美術館)、個展「Paint & Collage Works 2010」(2010/NADiff a/p/a/r/t)などがあります。また、98年からはインスタレーション作品と同素材である蛍光灯を使用した 自作”音具”「オプトロン」によるサウンド・パフォーマンスを開始します。様々なジャンルのパフォーマーたちと共演・コラボレーションをおこなうと同時に、「シンガ ポール アーツ フェスティバル 2010」(2010/Supperclub シンガポール)や「NJP SUMMER FESTIVAL 21ROOMS」(2011/Nam June Paik Art Center 韓国)など、世界各国から数多くの招聘を受けています。 伊東篤宏の表現活動において、欠かす事のできないマテリアルとして「蛍光灯」があります。伊東は1990年代より、蛍光灯それ自体を中心にすえ作品を制作してきました。初期は、ライトボックス型パネルなどを使った平面作品でしたが、徐々に外枠や構造体を省くことでミニマル化し、98年には蛍光灯そのものを素材とした音具「オプトロン」を制作するに至ります。「オプトロン」を使ったパフォーマンに取り組むようになったのも、この頃です。蛍光灯が発光するときに放電されるノイズを増幅/コントロールすることで放出される音と光の激しい明滅で構成されるパフォーマンスは、観る者の視覚と聴覚を強烈に刺激します。視覚に訴える初期のインスタレーション作品から、「オプトロン」が制作されたことにより、視覚行為に加え聴覚という新たな感覚を喚起させることとなったのです。蛍光灯というきわめて日常的なモノが、通電することで発光し電磁ノイズを放出する、場合によっては凶器にもなりうる「オプトロン」という音具へと転換されることへの違和感とダイナミズム、そして我々の内にある未知の感覚が広がることで得られる開放感と刺激は、伊東作品だけがもつ特質です。 *Since this work is made to order, it will take about a month to ship the work. *Please note that the final artwork may differ slightly from the photo shown. Atuhiro Ito, an artist and OPTRON player born in 1965, graduated from Tama Art University Master's Degree Course in 1992. Ito launched his career as a visual artist in the late ’80s, and in 1998 began presenting sound performances all over the world with his own made instrument called “optron” which produces noises from the electrical discharge of a fluorescent light. The music played on optron is a repetition of intense flickers of light and noises and it stimulates and attacks our visual and auditory senses. His major exhibitions include “Roppongi Crossing”(2004 / Mori Art Museum), solo exhibition “V.R.”(2009 / Hara Museum) and solo exhibition “Paint & Collage Works 2010”(2010 / NADiff a/p/a/r/t). Ito also performs extensively worldwide, including "NJP SUMMER FESTIVAL 21ROOMS" (Nam June Paik Art Center, Korea, 2011) and "Singapore Arts Festival 2010” (Supperclub, Singapore, 2010). In addition to his solo exhibition and performance projects, Ito participates in a number of musical units, from rock to jazz band, sound performers and dancers. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/ito_atsuhiro.html Please do not proceed with the payment if you live outside Japan. Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" for the estimate of the shipment fee.
¥ 165,000 SOLD OUT
 
USI
USI
title:USI artist:Atsuhiro Ito / 伊東篤宏 year:2006-2012 media:Mixed media / ミクストメディア size:90 × 75 × 27.5 cm *本作品は受注制作となるため、作品発送まで1か月程度かかります。 *完成作品は掲載写真と若干異なる可能性がありますので、ご了承の上ご購入ください。 1965年生まれの伊東篤宏は、1992年に多摩美術大学大学院美術研究科を修了し、1990年代より蛍光灯を素材としたインスタレーションをはじめました。主な展覧会に「六本木クロッシング / New Visions Contemporary Japanese Art 2004」(2004/森美術館)、個展「V.R.」(2009/原美術館)、個展「Paint & Collage Works 2010」(2010/NADiff a/p/a/r/t)などがあります。また、98年からはインスタレーション作品と同素材である蛍光灯を使用した 自作”音具”「オプトロン」によるサウンド・パフォーマンスを開始します。様々なジャンルのパフォーマーたちと共演・コラボレーションをおこなうと同時に、「シンガ ポール アーツ フェスティバル 2010」(2010/Supperclub シンガポール)や「NJP SUMMER FESTIVAL 21ROOMS」(2011/Nam June Paik Art Center 韓国)など、世界各国から数多くの招聘を受けています。 伊東篤宏の表現活動において、欠かす事のできないマテリアルとして「蛍光灯」があります。伊東は1990年代より、蛍光灯それ自体を中心にすえ作品を制作してきました。初期は、ライトボックス型パネルなどを使った平面作品でしたが、徐々に外枠や構造体を省くことでミニマル化し、98年には蛍光灯そのものを素材とした音具「オプトロン」を制作するに至ります。「オプトロン」を使ったパフォーマンに取り組むようになったのも、この頃です。蛍光灯が発光するときに放電されるノイズを増幅/コントロールすることで放出される音と光の激しい明滅で構成されるパフォーマンスは、観る者の視覚と聴覚を強烈に刺激します。視覚に訴える初期のインスタレーション作品から、「オプトロン」が制作されたことにより、視覚行為に加え聴覚という新たな感覚を喚起させることとなったのです。蛍光灯というきわめて日常的なモノが、通電することで発光し電磁ノイズを放出する、場合によっては凶器にもなりうる「オプトロン」という音具へと転換されることへの違和感とダイナミズム、そして我々の内にある未知の感覚が広がることで得られる開放感と刺激は、伊東作品だけがもつ特質です。 *Since this work is made to order, it will take about a month to ship the work. *Please note that the final artwork may differ slightly from the photo shown. Atuhiro Ito, an artist and OPTRON player born in 1965, graduated from Tama Art University Master's Degree Course in 1992. Ito launched his career as a visual artist in the late ’80s, and in 1998 began presenting sound performances all over the world with his own made instrument called “optron” which produces noises from the electrical discharge of a fluorescent light. The music played on optron is a repetition of intense flickers of light and noises and it stimulates and attacks our visual and auditory senses. His major exhibitions include “Roppongi Crossing”(2004 / Mori Art Museum), solo exhibition “V.R.”(2009 / Hara Museum) and solo exhibition “Paint & Collage Works 2010”(2010 / NADiff a/p/a/r/t). Ito also performs extensively worldwide, including "NJP SUMMER FESTIVAL 21ROOMS" (Nam June Paik Art Center, Korea, 2011) and "Singapore Arts Festival 2010” (Supperclub, Singapore, 2010). In addition to his solo exhibition and performance projects, Ito participates in a number of musical units, from rock to jazz band, sound performers and dancers. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/ito_atsuhiro.html Please do not proceed with the payment if you live outside Japan. Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" for the estimate of the shipment fee.
¥ 330,000 SOLD OUT
 
“When a Seed Becomes Art”  / 『種子が芸術になるとき』
“When a Seed Becomes Art” / 『種子が芸術になるとき』
[カタログ] 仕様:A5変形サイズ、40ページ、フルカラー 掲載作品:河口龍夫『種子が芸術になるとき』展より33点 文:河口龍夫、鞍田崇 翻訳:河西香奈 撮影:SNOW Contemporary 編集:窪田研二、石水美冬、北村大宰、皆川真美子 デザイン:峯石景子 発行:SNOW Contemporary *展覧会展示風景は、カタログに掲載されておりません。/ The exhibition view is not posted in this catalogue. 河口龍夫は1960年代から精力的に作品を発表し続け、現在もなお最前線で活躍し国内外より高い評価をうける、日本を代表する現代作家の1人です。 これまで一貫して、物と物、あるいは物と人などの相互の関係性をテーマとしてきました。その関係性には、時間や生命、あるいはエネルギーなど無限の可能性を秘めた概念が横たわり、目に見る事が出来ません。河口はその目に見えない関係そのものを作品を通して実在させることで、可視化が困難な概念を鮮やかに提示します。「芸術は精神の冒険」であると河口は言いますが、彼の作品世界は常に観る者の五感を刺激し、新たな想像の世界へと我々をいざないます。 河口龍夫が「関係―種子」シリーズを最初に発表したのは1982年。当初、河口は植物の種子を銅で覆う作品を制作していました。しかし1986年のチェルノブイリ原発事故後、銅に代わり放射線を遮る鉛を用いるようになりました。種子を放射線から保護し永続的に残したいという作家の意思が働いたのかもしれません。チェルノブイリ原発事故と同年に河口は、「関係?種子」(1986)において170種以上の種を鉛で封印しました。その後、「関係―種子・農園」(1987)、「種子の食卓」(1988)、「関係―種子・櫛」(1988)、「関係―種子・鉛の畑」(1989)、「関係―本」(1990)、「関係―種子・花のために」(1990)、「関係―鉛の温室」(1990)などの作品を展開し、種子と最初に出会った場でもある食卓や書籍、櫛、植木鉢、ついには種子を収める温室まであらゆるものを種子と共に鉛で封印しています。 *掲載作品に関しては下記までお問い合わせください。 http://snowcontemporary.com/contact.html [Catalogue] 40 pages, 18 x 12.9 cm, color. 33 Works by Tatsuo Kawaguchi from “When a Seed Becomes Art” exhibition in 2020. Essays by Tatsuo Kawaguchi and Takashi Kurata Translated by Kana Kawanishi Photo by SNOW Contemporary Edited by Kenji Kubota, Mifuyu Ishimizu, Daisaku Kitamura and Mamiko Minagawa Designed by Keiko Mineishi Published by SNOW Contemporary Tatsuo Kawaguchi has been one of Japan’s leading artists in our time, who has made and exhibited his works energetically since 1960s, worked at the cutting edge until now and received appreciations from home and aboard. Kawaguchi has constantly explored a relation between objects and objects, or objects and human beings. This relation is where concepts of time, lives, energy and other things which have limitless possibilities lie, which are invisible. By making these relations in themselves exist in his works, Kawaguchi shows vividly these concepts which are difficult to visualize. Kawaguchi says “art is an adventure of spirit” and His works inspire your senses and invite you to the new world of imagination. *for more information: http://snowcontemporary.com/artist/kawaguchi_tatsuo.html *Please feel free to ask us about the artworks shown in the catalogue. http://snowcontemporary.com/en/contact.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 550
 
“Copperplate Prints From 1963”  / 『1963年の銅版画より』
“Copperplate Prints From 1963” / 『1963年の銅版画より』
[カタログ] 仕様:文庫本サイズ、36ページ、カラー 掲載作品:河口龍夫が1963年に制作した銅版画より10点 文:河口龍夫、土屋誠一 翻訳:河西香奈 撮影:SNOW Contemporary 編集:窪田研二、石水美冬、北村大宰 デザイン:峯石景子 発行:SNOW Contemporary *展覧会展示風景は、カタログに掲載されておりません。/ The exhibition view is not posted in this catalogue. ■河口龍夫 / アーティストステートメント 『1963年の四点の銅版画をめぐって』より抜粋 1. 消去された時間  時間への何らかの関心が感じられる過去の作品で、私の手元にあるものを探してみた。すると1963年に制作した銅版画の作品で、題名が《消去された時間》となっており、その題名からも時間への関心が明らかであった。  そこに描かれているのは、時間そのものは描くことができないので、時計を借りた時間のイメージであった。当然のことながら、時間そのものを対象化することは、時間内存在である我々には不可能であることを自覚していたようである。その時点では時間への表現力が稚拙にも思えるが、私にとっては時間への関心とささやかな冒険を示す、そして懐かしさを誘う作品でもあった。  懐かしさを誘うのは、描かれている時計が、誕生した時から我が家にあった古い柱時計からのイメージであったからだ。記憶に残るその時計は振り子時計で毎日軽快な音を立てながら時を刻んでいた。またその時計はゼンマイ仕掛けによる機械時計で、大きな真鍮の鍵状の道具を丸い小さな穴に差し込み手動でねじを巻かなければならなかった。その柱時計にねじを巻く役が父から私の役になった時から、ねじを巻くたびに時計に命を与えるような気分になっていた。ねじを巻く音と時刻を知らせる音が思い出される。時刻を知らせる音は、一時にはボーンと一つなり、十二時にはボーン、ボーンと連続して十二回なった。  音を失った《消去された時間》から読み取れるのは、画面に向かって右側に時刻を知らせる文字盤部分が描かれ、左側には時計を起動させる振り子部分が描かれている。だが記憶に残る時計は、時刻を表記する文字盤と時計の短針と長針を起動させる振り子が完全につながって一体化し、柱を背にして時を刻んでいた。なぜ振り子時計を切断し左右に隔てたのであろうか。それは文字盤の画面に時計を巻く鍵が描かれていることから推測すると、時計のねじを巻き忘れ、時計が静止してしまったことの記憶からであろうか。あるいは、切れ目なく連続する時間に、現実時間とは無関係な隙間のような時間空間を想像し、そのために時間の切断を試み、切断された時間の存在を消去された時間と夢想したのだろうか。もしくは、同じ長さの時間が長く感じたり短く感じたりすることが、私的な観念によってとらえる時間と即物的な時間との乖離を時間の切断と捉えようとしたのだろうか。いずれにしても時間の非可逆性は過去の現実への非可逆性と重複するかのようである。  ここに書かれている作品《消去された時間》を探し出した時、同時に三点の別の作品を見つけ出した。いずれの作品も1963年制作の銅版画で、私が23歳の時の作品である。作品の題名はすでに記述した《消去された時間》の他、《人》、《萌芽》、《仮面》と画面下に書かれていた。作品と再会した一瞬、題名も含めてまるで水族館の水槽越しに不動の魚を見るような、または、自分が昔採集した珍しい昆虫を標本箱越しに見るような、あるいは、時間の残滓で少し霞んだ曇りガラスを通して見るような感じを覚えたのは、55年前という経過した時間のせいであったからであろうか。 (注)この文を書いた二ヶ月後、新たに55年前の銅版画6点が見つかりました。 *掲載作品に関しては下記までお問い合わせください。 http://snowcontemporary.com/contact.html [Catalogue] 36 pages, 14.7 x 10.5 cm, English & Japanese 10 works by Tatsuo Kawaguchi from the Copperplate Prints from 1963 Essays by Tatsuo Kawaguchi and Seiichi Tsuchiya Translated by Kana Kawanishi Photo by SNOW Contemporary Edited by Kenji Kubota, Mifuyu Ishimizu and DaisakuKitamura Designed by Keiko Mineishi Published by SNOW Contemporary ■ Tatsuo Kawaguchi Artist Statement - Excerpt from “About the Copperplate Prints From 1963” 1.Erased Time I was looking for my earlier works left in my atelier in which I could find my interest towards time. One of the copperplate prints I created in 1963 was titled Erased Time, which vividly showed my interest towards time already from its title. As it was impossible to draw the time itself, what I had drawn there was an image of time by rendering the image of a clock. Being an existence living in time itself, it seemed as though I was aware of the impossibility of objectifying time itself. I must admit that my expression towards time was still somewhat impoverished then, while at the same time, it embodied one of my earliest interests and endeavors towards time, which also brought me back a nostalgic feeling. The reason why it brought nostalgia to me was because of the image of the clock. It was the old wall clock that existed in my house since I was born. The clock was a pendulum clock that ticked every day with a lyrical sound. It was a mechanical clock that moved by the power of a wind-up wheel, and it needed to be wounded up every day with the small copper key that went inside a small hole. Since the moment the role of winding up the wall clock became mine instead of my father, I felt as though I was giving life to the clock each time I winded it up. I can vividly remember the sound of when would wind up the clock, as well as the sound of its bell when the clock would let us know the time. The bell of the clock rung once when it was one o’clock, and then twelve times when it was twelve o’clock. The work titled Erased Time had already lost its sound, but we can see that the dial face in which had the function of acknowledging the time was drawn on the right, and the swing of the pendulum that made the clockwork was drawn on its left. However, the clock in my memory had its dial face that acknowledged us the time and the swing that made the short and long arm of the clock to move all connected together as one and was ticking time with the pillar on its back. Why did I separate the pendulum clock and divide them to the left and the right? Thinking back from the fact that I also drew the key that could wind up the clock together with the dial face, perhaps it comes from my memory of the clock stopping in silence when I forgot to wind up the wheel. Or, perhaps I imagined of inserting a special time-space that does not exist in the actual seamless time that flows without any cleavages; this means I cut the time, and maybe imagined that the disconnected time was an erased time. Or, did I think of those moments in which a particular flow of time would feel longer or shorter than others, and interpreted such personal flow of time in one’s mind is different from the physical flow of time, and comprehended this disconnection as the disruption of time. Either way, it seems as though the irreversibility of time overlaps with the irreversibility of facts that occurred in the past. When I found the work Erased Time described in the text above, I also found three other works. All of them were copperplate prints created in 1963 when I was 23. The titles written below the images other than Erased Time were A Person, Bud, and Mask. The moment I reunited with my works and saw those titles, I felt as though I was encountering an unmovable fish in an aquarium, or staring at a rare insect I had captured and kept in a cabinet in the past, or was seeing through an old opaque glass that was slightly foggy after the remnants of time, perhaps because of the volume of the time that had past which counted up to 55 years. * Two months after I wrote this text, six more copperplate prints from 55 years ago were found. *Please feel free to ask us about the artworks shown in the catalogue. http://snowcontemporary.com/en/contact.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 550
 
“Relation—Lead Envelope”  / 『関係―鉛の郵便』
“Relation—Lead Envelope” / 『関係―鉛の郵便』
[カタログ] 仕様:A4サイズ、36ページ、フルカラー 掲載作品:河口龍夫『関係―鉛の郵便』より44点 文:河口龍夫、蔵屋美香 翻訳:河西香奈 撮影:SNOW Contemporary 編集:窪田研二、石水美冬 デザイン:峯石景子 発行:SNOW Contemporary *展覧会展示風景は、カタログに掲載されておりません。/ The exhibition view is not posted in this catalogue. ■河口龍夫 / アーティストステートメント 「<関係―鉛の郵便>をめぐって」より抜粋 この作品は〈関係―種子〉シリーズの延長線上にある作品とも言えなくもないが、郵便の持つ社会性と認知された形式をはじめから持っていることが大きな相違点である。したがって作品であると同時に郵便物に違いない。  手紙を郵送するためには封筒が必要である。封筒は通常紙であるが、この封筒は紙ではなく鉛でできていることが極めて特徴的であるとともにこの作品にとって重要なことである。また、手紙のかわりに種子が封入されていることも際立った特色である。そのことは言葉で伝えることができないことを、つまり言葉を超えたことを伝えるために、鉛の封筒に封入された種子を、あたかも「言葉によるメッセージ」を超えた、「メッセージの物質化」そのものにしょうとしているかのようである。鉛の封筒に貼られた切手は、当時封書の切手代金が60円であったので60円切手が貼られている。あるいは空想の切手として鉛の切手が貼られているものもある。  この〈関係―鉛の郵便〉は実際に送付することもできるであろうが、これまで送付されたことがない。「見る郵便」となっている。〈関係―鉛の郵便〉に同封されている種子は、成長することができれば食すことができる野菜や果物の他に、花の種子が含まれている。〈関係―鉛の郵便〉の送付先は、現実にはあってはならないし、送付されることがあってはならない郵便として制作された、言わば願望としての「幻の郵便」である。何故なら、命の宿る種子の送り先が紙の封筒では危険で要をなさない事態に遭遇している村や町や都市で、緊急事態が起こっているからである。原発事故による放射能漏洩事故である。さいわいなことにこの〈関係―鉛の郵便〉は使われることなく放置されていたのであった。だが、残念なことにまさかのことだが我々が暮らす国日本で3.11が起こってしまい、地球の自然を汚染してしまった。放置されていた〈関係―鉛の郵便〉を見る機会が訪れてしまったとも言えるのである。  いまだに3.11による帰還困難区域が存在する。ここにこそ〈関係―鉛の郵便〉に封印された命の種を送付する必要があるのだろう。だが、肝心の〈鉛の郵便〉を受け取る関係者である人が不在である。 やがて、未来のどこかの時点で〈関係―鉛の郵便〉は、人が住めなくなってしまった地球への「置手紙」になってしまうのではなかろうか。 2018年3月1日 *掲載作品に関しては下記までお問い合わせください。 http://snowcontemporary.com/contact.html [Catalogue] 36 pages, 29.7 x 21 cm,, English & Japanese 44 Works by Tatsuo Kawaguchi from “Relation—Lead Envelope” series Essays by Tatsuo Kawaguchi and Mika Kuraya Translated by Kana Kawanishi Photo by SNOW Contemporary Edited by Kenji Kubota and Mifuyu Ishimizu Designed by Keiko Mineishi Published by SNOW Contemporary ■ Artist Statement - Excerpt from "About Relation – Lead Envelope" A brief explanation of Relation? Lead Envelope series may be necessary here. This work could be seen as an extension of Relation? Seed series, however, there is one thing that vividly differentiates the two; Relation? Lead Envelope connotes the sociality and widely-known system in which postal services have as its basis. Before it is an artwork, it is also undoubtedly a postal mail. If a letter needs to be mailed, an envelope would be required. Envelopes are usually made of paper, while in this work, envelopes were made of lead? which became one of the essential features of this series. Another distinctive aspect was that, instead of letters, several seeds were placed inside the envelopes. The seeds inside the lead envelopes seemed as though they were trying to deliver something that could not be described in words; which were, something that transcended our linguistic perceptions. Instead of sending a “message consisted of words,” they may have been purely “materializing a message.” Back then, sending an envelope in Japan was priced at 60 yen, thus, stamps of 60 yen were placed on the lead envelopes. Or sometimes, imaginary lead stamps were placed too. None of the works in Relation - Lead Envelope has been mailed so far, even though most of them actually can. For now, they solely have been “letters to see.” The seeds enclosed in Relation? Lead Envelopes are seeds of edible vegetables and fruit if they could grow, and also some of the flowers. Relation? Lead Envelope is mailed that should not be sent out and do not have any actual address written, as they are “illusionary mails” consisted of wishes. An emergency situation is happening now in the villages, towns, and cities? where sending out paper envelopes with seeds of life inside would become no good of use. The nuclear power plant accident, and the radiation leakage, actually happened. Luckily so far, we have refrained from using Relation? Lead Envelopes and have left them kept. However, regretfully and unpredictably, the Great East Japan Earthquake happened and triggered the Fukushima Daiichi nuclear disaster, resulting in polluting the earth’s nature. The time to unveil the abandoned Relation? Lead Envelopes might have come now. Difficult-to-return zones caused by the accident still now exist. Perhaps those are the places in which the seeds of life, sealed inside Relation? Lead Envelopes, need to be sent. However, those places currently lack the essential people to receive Relation? Lead Envelope. Perhaps sometime in the future, Relation? Lead Envelopes may become a “letter left behind” when our earth becomes an uninhabitable place for humans. (March 1, 2018) *for more information http://snowcontemporary.com/artist/kawaguchi_tatsuo.html *Please feel free to ask us about the artworks shown in the catalogue. http://snowcontemporary.com/en/contact.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.l
¥ 1,100
 
“Topology of Time”  / 『時間の位相』
“Topology of Time” / 『時間の位相』
[カタログ] 仕様:A4サイズ、8ページ、カラー 掲載作品:河口龍夫『時間の位相』展より8点 テキスト:光田由里 撮影:斎藤さだむ 編集:窪田研二、石水美冬 デザイン:峯石景子 翻訳:河西香奈 発行:SNOW Contemporary *展覧会展示風景は、カタログに掲載されておりません。/ The exhibition view is not posted in this catalogue. 『時間の位相』展について 『陸と海』が最初に発表されたのは、1970年に中原佑介氏をコミッショナーとして開催された第10回日本国際美術展(東京ビエンナーレ)でした。瀬戸・須磨海岸の干潮と満潮の中間地帯に4枚の板をロープで設置し定点撮影した写真から26点が抽出・展示されました。 鑑賞者は、陸との境界線が動く海の中で板がたゆたう様が写された写真作品から、無意識下において認識しているこの世界の構造を意識することとなります。河口はこの作品を通して大きな宇宙の営みの一端を可視化させるとともに、この一連の現象から思い浮かぶ可視と不可視、感覚と認識、現実と写真、などといった概念の対極要素を「関係」という言葉で結ぶことで、作品に内在する同質性を捉え鮮やかに顕在化させました。『陸と海』は、その後の河口作品の代名詞である「関係」という概念を知らしめた記念碑的な作品と言えるでしょう。 一方、本展で発表する「新作」において河口は、1970年に制作された写真作品の外側を想像力によって描き出します。本作を制作する契機について、河口は以下のように記しています。 「<陸と海>のすべての写真には、当然のことながらその撮影された光景の外側がないのである。写真の左右も上下もない。現実にはあったはずの光景から写真として切り取られそれ以外が欠落しているのである。このことは写真を基点に考えれば、被写体の切り取りで成立する写真そのものの持つ構造であって、写真フレームの外側がないことは何ら不信を抱く事柄ではない。、と納得しながら、なおかつ写真にすることによって欠落してしまった、その写真の外側が気になってしかたがなくなっていたのである」 本作からは、1970年から2016年までの時間によって想起される「時相」(時間の位置)をめぐる諸要素は勿論のこと、境界の内側と外側、現実と創造、写真とドローイングなど、様々な「関係」を読み取ることが出来るでしょう。 *掲載作品に関しては下記までお問い合わせください。 http://snowcontemporary.com/contact.html [Catalogue] 8 pages, 29.7 x 21 cm,, English & Japanese 8 works by Tatsuo Kawaguchi from the “Topology of Time” exhibition in 2016. Text: Yuri Mitsuda Photo: Sadamu Saito Editors: Kenji Kubota and Mifuyu Ishimizu Design: Keiko Mineishi Translator:Kana Kawanishi Published by SNOW Contemporary On the “Topology of Time” exhibition This exhibition consists of eight works titled Topology from ‘Land and Sea’, which are works created by Tatsuo Kawaguchi confronting his representative work Land and Sea from 1970 after 46 years of time. The first occasion Land and Sea exhibited in public was at the 10th Tokyo Biennale: Between Man and Matter, held in 1970 with Yusuke Nakahara as the commissioner. 26 works were extracted from photographs that were taken from a fixed-position, recording the four boards installed with a rope between the low tide and the high tide area of the Suma Beach in Seto. Through the photographic works capturing the floating boards swaying in between the boundary line of the land and sea, the viewers recognized the structure of this world which usually is kept under consciousness. Kawaguchi allowed a part of this vast universe to be visualized through this work, and among the sequences of the phenomenon, he vividly actualized the homogeneity connoted in the work by connecting various concepts in opposite ends―the visible and invisible, senses and cognition, reality and photography―all interpreted through the word “relation.” Land and Sea is positioned as his monumental work embodying the concept “relation,” which became the pronoun for Kawaguchi’s works later on. Now on the other hand, Kawaguchi will be drawing with his imagination the outside of his photographic works created in 1970 for the “new works” exhibited on this occasion. Kawaguchi comments as below regarding the triggers of this work: ”As it would naturally be so, nothing outside the framing exists in all photographs of ‘Land and Sea’. No right or left, nor up or down exists in the photographs. An actual scene was captured and cut off from reality, and everything else was missing. When thinking from the basic point of view of photography, to capture an object within a framing is purely how a photograph can define itself, thus, having no outside of the framing is nothing I need to doubt of. Understood. But still, I began being obsessed thinking the outside of the photographs―what became missed by becoming a photograph.” Inside and outside the boundaries, reality, and creation, photography and drawings―various “relations” should be interpreted from this work, of course including the “Time Topology (placement of time)” recalled from the time frame between 1970 and 2016. *Please feel free to ask us about the artworks shown in the catalogue. http://snowcontemporary.com/en/contact.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 550
 
“Vertical Time, or Stairway Time”  / 『垂直の時間、あるいは階段時間』
“Vertical Time, or Stairway Time” / 『垂直の時間、あるいは階段時間』
[カタログ] 仕様:29 x 31 cm、56ページ、モノクロ+カラー、ED500 掲載作品:河口龍夫『垂直の時間、あるいは階段時間』展より89点 テキスト:水沢 勉、河口龍夫 撮影:斎藤さだむ、木奥恵三 編集:窪田研二、石水美冬 デザイン:細谷勇作 発行:SNOW Contemporary 河口龍夫「垂直の階段、あるいは階段時間」(2014年12月14日)より抜粋 階段と芸術について書き始めたが、果たして階段と芸術は関係があるのか全く無関係であるのか定かではない。あえて階段を上り下りのための、つまり空間の上下移動をする機能と実利的にとらえるだけでなく、階段を彫刻ととらえ、あるいはもう少し広く芸術として比喩的にとらえてみることもあながち無意味なことだけではなかろうと考えたのである。断るまでもないが、このことは単純なレディメイド論を反芻しようとしているのではない。  階段は上ったり下りたりする時、その行動を起こす人の体重が移動することになるが、同時に、当然のことながら視点の移動を伴うことを忘れてはならないのではないかと考える。普通、歩行する時平坦な道では視線は平行移動を行うが、坂道や階段では視線は上下移動を行う。水平移動の場合の1メートルの移動は1メートルの視界の変化を伴うのが常であるが、だとすれば1メートルの上下移動においても上下に視界が変化するはずである。視界の水平移動と視界の上下移動のにはただ単に移動の変化に伴う視界の変化だけなのであろうか。なるほどその通りだとも言える。だが水平移動と上下移動の場合、微妙な大地との関係の在り様に変化があるようにも思われる。水平移動の場合は大地との関係は平行移動であるが、上下移動の場合は大地との関係は近づいたり離れたりすることになる。その大地との関係の考察においても、水平移動の場合には水平時間が流れる。とすれば、上下移動の場合には垂直時間といってよいような階段時間が占有するとみるのはどうだろうか。このように階段はその微妙な変化を思考するのに格好の装置・形態なのではなかろうか。階段において上り下りするという機能を残しながら、精神的な対象物とするために階段を階段のまま彫刻、もう少し広く芸術とすること。あるいは芸術として感じさせるように創造することは可能なのだろうか。 *掲載作品に関しては下記までお問い合わせください。 http://snowcontemporary.com/contact.html [Catalogue] 56 pages, 29 x 31 cm, b/w and color, ED500 89 Works by Tatsuo Kawaguchi from the “Vertical Time, or Stairway Time” exhibition in 2015. Essays by Tatsuo Kawaguchi and Tsutomu Mizusawa (only in Japanese) Photo by Sadam Saito, Keizo Kioku Edited by Kenji Kubota, Mifuyu Ishimizu Designed by Yusaku Hosoya Published by SNOW Contemporary Excerpt from Tatsuo Kawaguchi "Vertical Time, or Stairway Time" (December 14th, 2014) I started writing about relationship between stairways and art, but no one knows at all whether any relation between stairways and art exist. I am not only interested in understanding stairways with its actual function of going up and down, but also would like to understand it as a sculpture, or even more broadly, as a figurative manner of art which I believe has some point to say. Obviously, I am not simply reconsidering the concept of Ready-Made here. When you go up and down a stairway, the weight of the person moves, but we also need to remember that our sights move at the same time here. When we normally walk on a flat road, our sight moves horizontally, but going up and down hills or stairways would make our sights go through a vertical move. Moving horizontally one meter would normally result as a one-meter move of sight - therefore, a one-meter vertical move should accordingly shift our sights vertically also. Do horizontal and vertical sight movements simply differentiate within the manner of movement change and sight change. Such could be true in away. However, when we speak of horizontal movements and vertical movements, I feel there is a slight difference within its relationship with the ground. A Horizontal move has a parallel relationship with the ground, however, a vertical move would mean being closer or further from the ground. Also, when we think of the relationship between the ground, a horizontal move would have a horizontal time move. If so, would it be that a vertical movement would contain stairway time, such as vertical time? Likewise, I believe stairways are a perfect motif/device upon considering slight changes. Leaving its function of going up and down, a stairway could also be a sculpture to reconsider our minds and more broadly enhance itself as art. Or perhaps, create one enabling itself as art. *for more information http://snowcontemporary.com/artist/kawaguchi_tatsuo.html *Please feel free to ask us about the artworks shown in the catalogue. http://snowcontemporary.com/en/contact.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
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