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サイン入り印画紙付(ED20)“From 172800 Seconds in 1971 to 345600 Seconds in 2021”  / 『1971年の172800秒から2021年の345600秒へ』
サイン入り印画紙付(ED20)“From 172800 Seconds in 1971 to 345600 Seconds in 2021” / 『1971年の172800秒から2021年の345600秒へ』
[カタログ] 仕様:B5サイズ 18.2 x 25.7 cm、48ページ、モノクロ、サイン入り印画紙付(ED20) 掲載作品:河口龍夫『1971年の172800秒から2021年の345600秒へ』展より58点 テキスト:河口龍夫、金子智太郎 撮影:藤島亮 編集:窪田研二、石水美冬、金子智太郎 デザイン:川村格夫 発行:SNOW Contemporary 河口龍夫「1971年の172800秒から2021年の345600秒へ」(2021年1月11日)より抜粋 最初の段階では、「172800 秒展」の再現を考えていた。しかし、再現可能なすべての機材を整えたとしても、1971年の172800秒という時間そのものの再現は不可能である。当時制作した絵画や 彫刻であれば2021 年に見ることが可能である。しかし、この作品の成立に不可欠なものは物質ではなく時間そのものだからである。時間は「時間の不可逆性」によって成立する。そのため展覧会の内容を1971年の「172800 秒展」から2021年の「345600秒展」とした所以である。 1971年に開催された「172800 秒展」は、あたかも「時のブーメラン」のように 50 年後の我々の手元に戻ってきた。2021 年に再度投げられた「時のブーメラン」は、矛盾するようであるが「時間の不可逆性」に逆らいながら、何処に飛んでゆくのであろうか。おそらくそこには私は存在しない。 はたして誰が受け止めるのであろうか。 封印された光景と音は、あたかも見ることが不可能な「時間の客体化」であったかのようである。 そして今再び我々は芸術における時間について、問い続けることになるのである。時間よ、止まるなとつぶやきながら。 *掲載作品に関しては下記までお問い合わせください。 http://snowcontemporary.com/contact.html [Catalogue] 48 pages, 18.2 x 25.7 cm, b/w 89 Works by Tatsuo Kawaguchi from the “From 172800 Seconds in 1971 to 345600 Seconds in 2021” exhibition in 2021. Essays by Tatsuo Kawaguchi and Tomotaro Kaneko (only in Japanese) Photo by Ryo Fujishima Edited by Kenji Kubota, Mifuyu Ishimizu, Tomotaro Kaneko Designed by Tadao Kawamura Published by SNOW Contemporary Excerpt from Tatsuo Kawaguchi "From 172800 Seconds in 1971 to 345600 Seconds in 2021" (January 11th, 2021) Initially I had planned to exactly reproduce “172800 Second Exhibition.” However, even if I could find all the necessary devices to enact it again, it is not possible to reproduce the time itself, namely the 172800 seconds back in 1971. If it were a piece of painting or sculpture, it would appear as it was made at that time, even in 2021. However, the indispensable component of this work is time itself, not matter. Time arises based on the “irreversibility of time.” Therefore, I decided to change the content of this exhibition, “From 172800 Seconds in 2021 to 345600 Seconds in 2021.” The “172800 Second Exhibition” held in 1971 has come back to our hands after 50 years just like a “boomerang of time.” I wonder towards what destination the “boomerang of time” thrown again in 2021 would be traveling in against the “irreversibility of time,” as paradoxical as that may sound. Perhaps, I might not exist in the place it will come back to one day. I wonder who would receive it. The sealing of sights and sounds could be thought of as an “objectification of time,” which we can never see. Today, we are about to revisit the question of time in art endlessly. As we mutter: “Time, don’t you stop.” *for more information http://snowcontemporary.com/artist/kawaguchi_tatsuo.html *Please feel free to ask us about the artworks shown in the catalogue. http://snowcontemporary.com/en/contact.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 3,300 SOLD OUT
 
“From 172800 Seconds in 1971 to 345600 Seconds in 2021”  / 『1971年の172800秒から2021年の345600秒へ』
“From 172800 Seconds in 1971 to 345600 Seconds in 2021” / 『1971年の172800秒から2021年の345600秒へ』
[カタログ] 仕様:B5サイズ 18.2 x 25.7 cm、48ページ、モノクロ 掲載作品:河口龍夫『1971年の172800秒から2021年の345600秒へ』展より58点 テキスト:河口龍夫、金子智太郎 撮影:藤島亮 編集:窪田研二、石水美冬、金子智太郎 デザイン:川村格夫 発行:SNOW Contemporary 河口龍夫「1971年の172800秒から2021年の345600秒へ」(2021年1月11日)より抜粋 最初の段階では、「172800 秒展」の再現を考えていた。しかし、再現可能なすべての機材を整えたとしても、1971年の172800秒という時間そのものの再現は不可能である。当時制作した絵画や 彫刻であれば2021 年に見ることが可能である。しかし、この作品の成立に不可欠なものは物質ではなく時間そのものだからである。時間は「時間の不可逆性」によって成立する。そのため展覧会の内容を1971年の「172800 秒展」から2021年の「345600秒展」とした所以である。 1971年に開催された「172800 秒展」は、あたかも「時のブーメラン」のように 50 年後の我々の手元に戻ってきた。2021 年に再度投げられた「時のブーメラン」は、矛盾するようであるが「時間の不可逆性」に逆らいながら、何処に飛んでゆくのであろうか。おそらくそこには私は存在しない。 はたして誰が受け止めるのであろうか。 封印された光景と音は、あたかも見ることが不可能な「時間の客体化」であったかのようである。 そして今再び我々は芸術における時間について、問い続けることになるのである。時間よ、止まるなとつぶやきながら。 *掲載作品に関しては下記までお問い合わせください。 http://snowcontemporary.com/contact.html [Catalogue] 48 pages, 18.2 x 25.7 cm, b/w 89 Works by Tatsuo Kawaguchi from the “From 172800 Seconds in 1971 to 345600 Seconds in 2021” exhibition in 2021. Essays by Tatsuo Kawaguchi and Tomotaro Kaneko (only in Japanese) Photo by Ryo Fujishima Edited by Kenji Kubota, Mifuyu Ishimizu, Tomotaro Kaneko Designed by Tadao Kawamura Published by SNOW Contemporary Excerpt from Tatsuo Kawaguchi "From 172800 Seconds in 1971 to 345600 Seconds in 2021" (January 11th, 2021) Initially I had planned to exactly reproduce “172800 Second Exhibition.” However, even if I could find all the necessary devices to enact it again, it is not possible to reproduce the time itself, namely the 172800 seconds back in 1971. If it were a piece of painting or sculpture, it would appear as it was made at that time, even in 2021. However, the indispensable component of this work is time itself, not matter. Time arises based on the “irreversibility of time.” Therefore, I decided to change the content of this exhibition, “From 172800 Seconds in 2021 to 345600 Seconds in 2021.” The “172800 Second Exhibition” held in 1971 has come back to our hands after 50 years just like a “boomerang of time.” I wonder towards what destination the “boomerang of time” thrown again in 2021 would be traveling in against the “irreversibility of time,” as paradoxical as that may sound. Perhaps, I might not exist in the place it will come back to one day. I wonder who would receive it. The sealing of sights and sounds could be thought of as an “objectification of time,” which we can never see. Today, we are about to revisit the question of time in art endlessly. As we mutter: “Time, don’t you stop.” *for more information http://snowcontemporary.com/artist/kawaguchi_tatsuo.html *Please feel free to ask us about the artworks shown in the catalogue. http://snowcontemporary.com/en/contact.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 1,100
 
Decode 05
Decode 05
title:Decode 05 artist:Hitotzuki / ヒトツキ year:2021 media:paint on can and paper / 缶と紙にペイント size:15.5 x 38.2 x 4.2 cm HITOTZUKIは、独自に作家活動をしていたアーティストのKAMIとSASUが1999年に結成したユニットです。ストリートカルチャーの中で育ち、スケートボードの軌跡にインスパイアされて生まれた、力強く明快なKAMIのラインと、80年代のサンリオなどのサブカルチャーや人間性心理学に影響を受けたSASUのポップな色彩とシンメトリーな形状がミックスされたHITOTZUKIのスタイルは、華やかでダイナミックな個性と、親密で暖かみのある世界観が共存し、確固たる存在感を持って日本のストリート・アートシーンを牽引してきました。 HITOTZUKIが主に制作拠点としているのはビルの外壁や、建築物の内部空間です。周辺の風景と一体化する彼らの作品は、壁画が芸術として受容されている欧米を中心に、アジアをはじめ世界各地で高い評価を受け、多くの新たな風景を創出してきました。近年では国内でも市民がクラウドファンディングで資金を集め巨大な壁画を依頼するなど、時には地域のアイデンティティとして作品が機能しています。 本展のタイトルである、読み解く、あるいは(暗号を)解読するという意味の「DECODE」では、そうしたHITOTZUKIの制作現場のリアリティから抽出された現代を「読み解く」ための新作群が発表される予定です。 制作場所を移動するHITOTZUKIの活動には常にペンキや筆、あるいは養生シートといった壁画制作には欠かせないものが帯同します。HITOTZUKIにとってそれらは単なる消耗品ではなく、制作を共にする「同志」のような存在であり、使用済みのペンキ缶やインクのステインでさえも、彼らにとってはともに制作に関わった軌跡を示す産物であるとともに、そこには作品と同等の価値とリアリティが存在するのです。 HITOTZUKI is a unit formed in 1999 by artists KAMI and SASU, who had been working independently as artists. HITOTZUKI's style is a mix of KAMI's strong and clear lines, inspired by the trajectory of skateboarding and growing up in the street culture, and SASU's pop colors and symmetrical shapes, influenced by 80's subcultures such as Sanrio and human psychology. The style of HITOTZUKI has been leading the Japanese street art scene with its solid presence, coexisting a gorgeous and dynamic individuality with an intimate and warm perspective toward the world. HITOTZUKI's main production bases are the exterior walls of buildings and the interior spaces of buildings. Their works, which integrate with the surrounding landscape, have been highly acclaimed in Europe and the United States, where murals are accepted as art, as well as in Asia and other areas of the world, and have created many new landscapes. In recent years, even in Japan, citizens have raised funds through crowdfunding to commission huge murals, and the works have sometimes functioned as local identities. The title of this exhibition, "DECODE," which means to decipher or decode, will present a group of new works extracted from the reality of HITOTZUKI’s production sites to "decipher" the present. As HITOTZUKI moves from place to place, they are always accompanied by paint, brushes, and curing sheets, all of which are indispensable for mural painting. For HITOTZUKI, they are not just consumable items, but "comrades" with whom he works, and even used paint cans and ink stains are products that show the trajectory of their work together and have the same value and reality as the artworks. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hitotzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 165,000 SOLD OUT
 
Decode 12
Decode 12
title:Decode 12 artist:Hitotzuki / ヒトツキ year:2021 media:paint on canvas, wood / キャンバスにペンキ、木材 size:φ32.1x2.5 cm HITOTZUKIは、独自に作家活動をしていたアーティストのKAMIとSASUが1999年に結成したユニットです。ストリートカルチャーの中で育ち、スケートボードの軌跡にインスパイアされて生まれた、力強く明快なKAMIのラインと、80年代のサンリオなどのサブカルチャーや人間性心理学に影響を受けたSASUのポップな色彩とシンメトリーな形状がミックスされたHITOTZUKIのスタイルは、華やかでダイナミックな個性と、親密で暖かみのある世界観が共存し、確固たる存在感を持って日本のストリート・アートシーンを牽引してきました。 HITOTZUKIが主に制作拠点としているのはビルの外壁や、建築物の内部空間です。周辺の風景と一体化する彼らの作品は、壁画が芸術として受容されている欧米を中心に、アジアをはじめ世界各地で高い評価を受け、多くの新たな風景を創出してきました。近年では国内でも市民がクラウドファンディングで資金を集め巨大な壁画を依頼するなど、時には地域のアイデンティティとして作品が機能しています。 本展のタイトルである、読み解く、あるいは(暗号を)解読するという意味の「DECODE」では、そうしたHITOTZUKIの制作現場のリアリティから抽出された現代を「読み解く」ための新作群が発表される予定です。 制作場所を移動するHITOTZUKIの活動には常にペンキや筆、あるいは養生シートといった壁画制作には欠かせないものが帯同します。HITOTZUKIにとってそれらは単なる消耗品ではなく、制作を共にする「同志」のような存在であり、使用済みのペンキ缶やインクのステインでさえも、彼らにとってはともに制作に関わった軌跡を示す産物であるとともに、そこには作品と同等の価値とリアリティが存在するのです。 HITOTZUKI is a unit formed in 1999 by artists KAMI and SASU, who had been working independently as artists. HITOTZUKI's style is a mix of KAMI's strong and clear lines, inspired by the trajectory of skateboarding and growing up in the street culture, and SASU's pop colors and symmetrical shapes, influenced by 80's subcultures such as Sanrio and human psychology. The style of HITOTZUKI has been leading the Japanese street art scene with its solid presence, coexisting a gorgeous and dynamic individuality with an intimate and warm perspective toward the world. HITOTZUKI's main production bases are the exterior walls of buildings and the interior spaces of buildings. Their works, which integrate with the surrounding landscape, have been highly acclaimed in Europe and the United States, where murals are accepted as art, as well as in Asia and other areas of the world, and have created many new landscapes. In recent years, even in Japan, citizens have raised funds through crowdfunding to commission huge murals, and the works have sometimes functioned as local identities. The title of this exhibition, "DECODE," which means to decipher or decode, will present a group of new works extracted from the reality of HITOTZUKI’s production sites to "decipher" the present. As HITOTZUKI moves from place to place, they are always accompanied by paint, brushes, and curing sheets, all of which are indispensable for mural painting. For HITOTZUKI, they are not just consumable items, but "comrades" with whom he works, and even used paint cans and ink stains are products that show the trajectory of their work together and have the same value and reality as the artworks. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hitotzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 275,000 SOLD OUT
 
Decode 03
Decode 03
title:Decode 03 artist:Hitotzuki / ヒトツキ year:2021 media:paint on canvas, wood / キャンバスにペンキ、木材 size:63 x 99.2 x 4 cm HITOTZUKIは、独自に作家活動をしていたアーティストのKAMIとSASUが1999年に結成したユニットです。ストリートカルチャーの中で育ち、スケートボードの軌跡にインスパイアされて生まれた、力強く明快なKAMIのラインと、80年代のサンリオなどのサブカルチャーや人間性心理学に影響を受けたSASUのポップな色彩とシンメトリーな形状がミックスされたHITOTZUKIのスタイルは、華やかでダイナミックな個性と、親密で暖かみのある世界観が共存し、確固たる存在感を持って日本のストリート・アートシーンを牽引してきました。 HITOTZUKIが主に制作拠点としているのはビルの外壁や、建築物の内部空間です。周辺の風景と一体化する彼らの作品は、壁画が芸術として受容されている欧米を中心に、アジアをはじめ世界各地で高い評価を受け、多くの新たな風景を創出してきました。近年では国内でも市民がクラウドファンディングで資金を集め巨大な壁画を依頼するなど、時には地域のアイデンティティとして作品が機能しています。 本展のタイトルである、読み解く、あるいは(暗号を)解読するという意味の「DECODE」では、そうしたHITOTZUKIの制作現場のリアリティから抽出された現代を「読み解く」ための新作群が発表される予定です。 制作場所を移動するHITOTZUKIの活動には常にペンキや筆、あるいは養生シートといった壁画制作には欠かせないものが帯同します。HITOTZUKIにとってそれらは単なる消耗品ではなく、制作を共にする「同志」のような存在であり、使用済みのペンキ缶やインクのステインでさえも、彼らにとってはともに制作に関わった軌跡を示す産物であるとともに、そこには作品と同等の価値とリアリティが存在するのです。 HITOTZUKI is a unit formed in 1999 by artists KAMI and SASU, who had been working independently as artists. HITOTZUKI's style is a mix of KAMI's strong and clear lines, inspired by the trajectory of skateboarding and growing up in the street culture, and SASU's pop colors and symmetrical shapes, influenced by 80's subcultures such as Sanrio and human psychology. The style of HITOTZUKI has been leading the Japanese street art scene with its solid presence, coexisting a gorgeous and dynamic individuality with an intimate and warm perspective toward the world. HITOTZUKI's main production bases are the exterior walls of buildings and the interior spaces of buildings. Their works, which integrate with the surrounding landscape, have been highly acclaimed in Europe and the United States, where murals are accepted as art, as well as in Asia and other areas of the world, and have created many new landscapes. In recent years, even in Japan, citizens have raised funds through crowdfunding to commission huge murals, and the works have sometimes functioned as local identities. The title of this exhibition, "DECODE," which means to decipher or decode, will present a group of new works extracted from the reality of HITOTZUKI’s production sites to "decipher" the present. As HITOTZUKI moves from place to place, they are always accompanied by paint, brushes, and curing sheets, all of which are indispensable for mural painting. For HITOTZUKI, they are not just consumable items, but "comrades" with whom he works, and even used paint cans and ink stains are products that show the trajectory of their work together and have the same value and reality as the artworks. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hitotzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 770,000 SOLD OUT
 
Decode 04
Decode 04
title:Decode 04 artist:Hitotzuki / ヒトツキ year:2021 media:paint on canvas, wood / キャンバスにペンキ、木材 size:62.5 x 98.5 x 4 cm HITOTZUKIは、独自に作家活動をしていたアーティストのKAMIとSASUが1999年に結成したユニットです。ストリートカルチャーの中で育ち、スケートボードの軌跡にインスパイアされて生まれた、力強く明快なKAMIのラインと、80年代のサンリオなどのサブカルチャーや人間性心理学に影響を受けたSASUのポップな色彩とシンメトリーな形状がミックスされたHITOTZUKIのスタイルは、華やかでダイナミックな個性と、親密で暖かみのある世界観が共存し、確固たる存在感を持って日本のストリート・アートシーンを牽引してきました。 HITOTZUKIが主に制作拠点としているのはビルの外壁や、建築物の内部空間です。周辺の風景と一体化する彼らの作品は、壁画が芸術として受容されている欧米を中心に、アジアをはじめ世界各地で高い評価を受け、多くの新たな風景を創出してきました。近年では国内でも市民がクラウドファンディングで資金を集め巨大な壁画を依頼するなど、時には地域のアイデンティティとして作品が機能しています。 本展のタイトルである、読み解く、あるいは(暗号を)解読するという意味の「DECODE」では、そうしたHITOTZUKIの制作現場のリアリティから抽出された現代を「読み解く」ための新作群が発表される予定です。 制作場所を移動するHITOTZUKIの活動には常にペンキや筆、あるいは養生シートといった壁画制作には欠かせないものが帯同します。HITOTZUKIにとってそれらは単なる消耗品ではなく、制作を共にする「同志」のような存在であり、使用済みのペンキ缶やインクのステインでさえも、彼らにとってはともに制作に関わった軌跡を示す産物であるとともに、そこには作品と同等の価値とリアリティが存在するのです。 HITOTZUKI is a unit formed in 1999 by artists KAMI and SASU, who had been working independently as artists. HITOTZUKI's style is a mix of KAMI's strong and clear lines, inspired by the trajectory of skateboarding and growing up in the street culture, and SASU's pop colors and symmetrical shapes, influenced by 80's subcultures such as Sanrio and human psychology. The style of HITOTZUKI has been leading the Japanese street art scene with its solid presence, coexisting a gorgeous and dynamic individuality with an intimate and warm perspective toward the world. HITOTZUKI's main production bases are the exterior walls of buildings and the interior spaces of buildings. Their works, which integrate with the surrounding landscape, have been highly acclaimed in Europe and the United States, where murals are accepted as art, as well as in Asia and other areas of the world, and have created many new landscapes. In recent years, even in Japan, citizens have raised funds through crowdfunding to commission huge murals, and the works have sometimes functioned as local identities. The title of this exhibition, "DECODE," which means to decipher or decode, will present a group of new works extracted from the reality of HITOTZUKI’s production sites to "decipher" the present. As HITOTZUKI moves from place to place, they are always accompanied by paint, brushes, and curing sheets, all of which are indispensable for mural painting. For HITOTZUKI, they are not just consumable items, but "comrades" with whom he works, and even used paint cans and ink stains are products that show the trajectory of their work together and have the same value and reality as the artworks. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hitotzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 770,000 SOLD OUT
 
Decode 06
Decode 06
title:Decode 06 artist:Hitotzuki / ヒトツキ year:2021 media:paint on can / 缶にペンキ size: φ16x1.8 cmcm HITOTZUKIは、独自に作家活動をしていたアーティストのKAMIとSASUが1999年に結成したユニットです。ストリートカルチャーの中で育ち、スケートボードの軌跡にインスパイアされて生まれた、力強く明快なKAMIのラインと、80年代のサンリオなどのサブカルチャーや人間性心理学に影響を受けたSASUのポップな色彩とシンメトリーな形状がミックスされたHITOTZUKIのスタイルは、華やかでダイナミックな個性と、親密で暖かみのある世界観が共存し、確固たる存在感を持って日本のストリート・アートシーンを牽引してきました。 HITOTZUKIが主に制作拠点としているのはビルの外壁や、建築物の内部空間です。周辺の風景と一体化する彼らの作品は、壁画が芸術として受容されている欧米を中心に、アジアをはじめ世界各地で高い評価を受け、多くの新たな風景を創出してきました。近年では国内でも市民がクラウドファンディングで資金を集め巨大な壁画を依頼するなど、時には地域のアイデンティティとして作品が機能しています。 本展のタイトルである、読み解く、あるいは(暗号を)解読するという意味の「DECODE」では、そうしたHITOTZUKIの制作現場のリアリティから抽出された現代を「読み解く」ための新作群が発表される予定です。 制作場所を移動するHITOTZUKIの活動には常にペンキや筆、あるいは養生シートといった壁画制作には欠かせないものが帯同します。HITOTZUKIにとってそれらは単なる消耗品ではなく、制作を共にする「同志」のような存在であり、使用済みのペンキ缶やインクのステインでさえも、彼らにとってはともに制作に関わった軌跡を示す産物であるとともに、そこには作品と同等の価値とリアリティが存在するのです。 HITOTZUKI is a unit formed in 1999 by artists KAMI and SASU, who had been working independently as artists. HITOTZUKI's style is a mix of KAMI's strong and clear lines, inspired by the trajectory of skateboarding and growing up in the street culture, and SASU's pop colors and symmetrical shapes, influenced by 80's subcultures such as Sanrio and human psychology. The style of HITOTZUKI has been leading the Japanese street art scene with its solid presence, coexisting a gorgeous and dynamic individuality with an intimate and warm perspective toward the world. HITOTZUKI's main production bases are the exterior walls of buildings and the interior spaces of buildings. Their works, which integrate with the surrounding landscape, have been highly acclaimed in Europe and the United States, where murals are accepted as art, as well as in Asia and other areas of the world, and have created many new landscapes. In recent years, even in Japan, citizens have raised funds through crowdfunding to commission huge murals, and the works have sometimes functioned as local identities. The title of this exhibition, "DECODE," which means to decipher or decode, will present a group of new works extracted from the reality of HITOTZUKI’s production sites to "decipher" the present. As HITOTZUKI moves from place to place, they are always accompanied by paint, brushes, and curing sheets, all of which are indispensable for mural painting. For HITOTZUKI, they are not just consumable items, but "comrades" with whom he works, and even used paint cans and ink stains are products that show the trajectory of their work together and have the same value and reality as the artworks. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hitotzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 132,000 SOLD OUT
 
Decode 11
Decode 11
title:Decode 11 artist:Hitotzuki / ヒトツキ year:2021 media:paint on can / 缶にペンキ size: φ17.5x2.5 cm HITOTZUKIは、独自に作家活動をしていたアーティストのKAMIとSASUが1999年に結成したユニットです。ストリートカルチャーの中で育ち、スケートボードの軌跡にインスパイアされて生まれた、力強く明快なKAMIのラインと、80年代のサンリオなどのサブカルチャーや人間性心理学に影響を受けたSASUのポップな色彩とシンメトリーな形状がミックスされたHITOTZUKIのスタイルは、華やかでダイナミックな個性と、親密で暖かみのある世界観が共存し、確固たる存在感を持って日本のストリート・アートシーンを牽引してきました。 HITOTZUKIが主に制作拠点としているのはビルの外壁や、建築物の内部空間です。周辺の風景と一体化する彼らの作品は、壁画が芸術として受容されている欧米を中心に、アジアをはじめ世界各地で高い評価を受け、多くの新たな風景を創出してきました。近年では国内でも市民がクラウドファンディングで資金を集め巨大な壁画を依頼するなど、時には地域のアイデンティティとして作品が機能しています。 本展のタイトルである、読み解く、あるいは(暗号を)解読するという意味の「DECODE」では、そうしたHITOTZUKIの制作現場のリアリティから抽出された現代を「読み解く」ための新作群が発表される予定です。 制作場所を移動するHITOTZUKIの活動には常にペンキや筆、あるいは養生シートといった壁画制作には欠かせないものが帯同します。HITOTZUKIにとってそれらは単なる消耗品ではなく、制作を共にする「同志」のような存在であり、使用済みのペンキ缶やインクのステインでさえも、彼らにとってはともに制作に関わった軌跡を示す産物であるとともに、そこには作品と同等の価値とリアリティが存在するのです。 HITOTZUKI is a unit formed in 1999 by artists KAMI and SASU, who had been working independently as artists. HITOTZUKI's style is a mix of KAMI's strong and clear lines, inspired by the trajectory of skateboarding and growing up in the street culture, and SASU's pop colors and symmetrical shapes, influenced by 80's subcultures such as Sanrio and human psychology. The style of HITOTZUKI has been leading the Japanese street art scene with its solid presence, coexisting a gorgeous and dynamic individuality with an intimate and warm perspective toward the world. HITOTZUKI's main production bases are the exterior walls of buildings and the interior spaces of buildings. Their works, which integrate with the surrounding landscape, have been highly acclaimed in Europe and the United States, where murals are accepted as art, as well as in Asia and other areas of the world, and have created many new landscapes. In recent years, even in Japan, citizens have raised funds through crowdfunding to commission huge murals, and the works have sometimes functioned as local identities. The title of this exhibition, "DECODE," which means to decipher or decode, will present a group of new works extracted from the reality of HITOTZUKI’s production sites to "decipher" the present. As HITOTZUKI moves from place to place, they are always accompanied by paint, brushes, and curing sheets, all of which are indispensable for mural painting. For HITOTZUKI, they are not just consumable items, but "comrades" with whom he works, and even used paint cans and ink stains are products that show the trajectory of their work together and have the same value and reality as the artworks. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hitotzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 132,000 SOLD OUT
 
Phantom Manuscripts (silver thread) / 幽霊の原稿(銀糸)
Phantom Manuscripts (silver thread) / 幽霊の原稿(銀糸)
title : Phantom Manuscripts (silver thread) / 幽霊の原稿(銀糸) artist:Yosuke Amemiya / 雨宮庸介 year:2019 media:oil on canvas / キャンバスに油彩 *framed size:26.3 × 26.3 cm 1975年茨城県生まれ、現在ベルリン在住の雨宮は、Sandberg Institute(アムステルダム)Fine Art Course 修士課程を首席で修了。ドローイング、彫刻、油彩、映像インスタレーション、パフォーマンスなど多岐にわたるメディウムによって作品を制作しています。「六本木クロッシング2010展:芸術は可能か?」(森美術館)、「DOMANI ・明日展」(国立新美術館、2018)では数ヶ月間にわたる会期の全開館時間に在廊し、パフォーマンスをおこないました。また、900枚以上に及ぶドローイングシリーズに着手したり、2014年から3314年までかかるプロジェクト「1300年持ち歩かれた、なんでもない石」 (https://ishimochi.com) を開始したりするなど、既存のアートの範疇にとどまらない活動をする美術家です。 After receiving a B.A at Tama Art University, Faculty of Art and Design, Oil Painting Course in 1999, Amemiya relocated to Europe in 2011 and completed an M.A at Sandberg institute (Amsterdam) in 2013. He currently resides in Berlin. Amemiya has challenged viewers to rethink through the boundary on universal matters that are not recognized in the everyday life through his works of varied media including sculpture, video installation, and performance. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/amemiya_yosuke.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 181,500
 
Phantom Manuscripts (gold thread) / 幽霊の原稿(金糸)
Phantom Manuscripts (gold thread) / 幽霊の原稿(金糸)
title:Phantom Manuscripts (gold thread) / 幽霊の原稿(金糸) artist:Yosuke Amemiya / 雨宮庸介 year:2019 media:oil on canvas / キャンバスに油彩 *framed size:26.3 × 26.3 cm 1975年茨城県生まれ、現在ベルリン在住の雨宮は、Sandberg Institute(アムステルダム)Fine Art Course 修士課程を首席で修了。ドローイング、彫刻、油彩、映像インスタレーション、パフォーマンスなど多岐にわたるメディウムによって作品を制作しています。「六本木クロッシング2010展:芸術は可能か?」(森美術館)、「DOMANI ・明日展」(国立新美術館、2018)では数ヶ月間にわたる会期の全開館時間に在廊し、パフォーマンスをおこないました。また、900枚以上に及ぶドローイングシリーズに着手したり、2014年から3314年までかかるプロジェクト「1300年持ち歩かれた、なんでもない石」 (https://ishimochi.com) を開始したりするなど、既存のアートの範疇にとどまらない活動をする美術家です。 After receiving a B.A at Tama Art University, Faculty of Art and Design, Oil Painting Course in 1999, Amemiya relocated to Europe in 2011 and completed an M.A at Sandberg institute (Amsterdam) in 2013. He currently resides in Berlin. Amemiya has challenged viewers to rethink through the boundary on universal matters that are not recognized in the everyday life through his works of varied media including sculpture, video installation, and performance. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/amemiya_yosuke.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 181,500
 
World (Sekai)
World (Sekai)
title : World (Sekai) artist:Yosuke Amemiya / 雨宮庸介 year:2020 media:oil painting on wood(banana and the part that looks like marble) *with stainless pedestal / 木材に油彩 (大理石風部分も) ※ステンレスの台座が付きます size: 1/1 scale, H24 × W25 × D12 cm (full sized banana with pedestal of marble-like and stainless included / バナナ実物大に大理石風台座とステンレス台座込み) *It will take at least 2 weeks before shipping. / 発送までに2週間程、頂戴いたします。 1975年茨城県生まれ、現在ベルリン在住の雨宮は、Sandberg Institute(アムステルダム)Fine Art Course 修士課程を首席で修了。ドローイング、彫刻、油彩、映像インスタレーション、パフォーマンスなど多岐にわたるメディウムによって作品を制作しています。「六本木クロッシング2010展:芸術は可能か?」(森美術館)、「DOMANI ・明日展」(国立新美術館、2018)では数ヶ月間にわたる会期の全開館時間に在廊し、パフォーマンスをおこないました。また、900枚以上に及ぶドローイングシリーズに着手したり、2014年から3314年までかかるプロジェクト「1300年持ち歩かれた、なんでもない石」 (https://ishimochi.com) を開始したりするなど、既存のアートの範疇にとどまらない活動をする美術家です。 様々な表現手段により世界の本質に迫る雨宮作品ですが、今回は過去作品が完売している人気の「果物シリーズ」より数点を出品いたします。 このバナナの作品は、雨宮の作家人生の大きな転機となる個展「THE WORLD」(2005/ BOICE PLANNING)の際にはじめて発表されました。当時は粘土を型取りしてプラスティックに彩色されました。「世界」や「world」とスクラッチされ、黒く浮かび上がったバナナを模したこの作品は、2006年の水戸芸術館でのグループ展「われらの時代」のメインイメージとしてポスターやフライヤー、入り口のバナーなどに採用され、スタジオボイスや美術手帖などの多数のメディアにも掲載されました。その後、東京オペラシティアートギャラリー、BankARTなどに出品され、その当時を知る人たちの間では現在も語られるレジェンダリーな作品となっています。 2020年に制作された本作は、彫刻された木材に油絵の具で彩色されています。過去に4作品(全て個人蔵)が発表されているため、今回は5番目と6番目の作品となりますが、どの作品もすべて違うタイプのバナナをモチーフに制作されており、同じものは存在しません。またバナナの背面には、2020と記されています。果物のシリーズはどの作品も彩色前に約36回の地塗りを施されており、底面が濃淡の層になっていることからもそれが確認できます。台座の大理石もまた木材に油彩で果物と同じだけの工程が施されました。壁に固定されたステンレスの台座の上にのせることで、壁掛けで設置可能な仕様となっています。 若き雨宮青年が幾重の意味で自身と世界に問いかけた「世界とは?」の問いに、バナナの表面に浮かび現れた「世界・world」。この作品は、そんな世界との、はかなく、かつキラキラとした接合点を再体験するデバイスとして2020年の現在でも効力を発揮し続けています。 After receiving a B.A at Tama Art University, Faculty of Art and Design, Oil Painting Course in 1999, Amemiya relocated to Europe in 2011 and completed an M.A at Sandberg institute (Amsterdam) in 2013. He currently resides in Berlin. Amemiya has challenged viewers to rethink through the boundary on universal matters that are not recognized in the everyday life through his works of varied media including sculpture, video installation, and performance. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/amemiya_yosuke.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 440,000
 
One Fruit Sculpture and Breathlessness. All the Rest is in The Backyard
One Fruit Sculpture and Breathlessness. All the Rest is in The Backyard
title : One Fruit Sculpture and Breathlessness. All the Rest is in The Backyard artist:Yosuke Amemiya / 雨宮庸介 year:2020 media:oil paint on wood size: 1/1 scale *It will take at least 2 weeks before shipping. / 発送までに2週間程、頂戴いたします。 1975年茨城県生まれ、現在ベルリン在住の雨宮は、Sandberg Institute(アムステルダム)Fine Art Course 修士課程を首席で修了。ドローイング、彫刻、油彩、映像インスタレーション、パフォーマンスなど多岐にわたるメディウムによって作品を制作しています。「六本木クロッシング2010展:芸術は可能か?」(森美術館)、「DOMANI ・明日展」(国立新美術館、2018)では数ヶ月間にわたる会期の全開館時間に在廊し、パフォーマンスをおこないました。また、900枚以上に及ぶドローイングシリーズに着手したり、2014年から3314年までかかるプロジェクト「1300年持ち歩かれた、なんでもない石」 (https://ishimochi.com) を開始したりするなど、既存のアートの範疇にとどまらない活動をする美術家です。 様々な表現手段により世界の本質に迫る雨宮作品ですが、今回は過去作品が完売している人気の「果物シリーズ」より数点を出品いたします。 本作は、雨宮の代表作と言える「溶けたリンゴ」のシリーズです。プロジェクト毎に表現方法を変化させてきた雨宮にとって、最初期からほぼ唯一継続している雨宮の美術活動の根源的な作品と言えるでしょう。溶けたリンゴのシリーズは、初めて発表した2005年の水戸芸術館からこれまでに、国内外の美術館やアートセンターで数多く発表されてきました。また日本の美術雑誌の掲載や表紙のみならず、Flash Art など海外の有力美術雑誌にも紹介されてきました。 今回は2014年に雨宮がベルリンに移住した直後に作られ、未発表だった作品を2点出品します。初期の溶けたりんごは粘土を型取りしプラスティックで成型された作品でしたが、拠点をベルリンに移すと同時に木彫で制作をはじめました。本作は、木彫で制作された最初期の一つにあたり、底面には中刳り(なかぐり)された木材を確認することができます。溶けたりんごのシリーズは、所有された方の日常に近距離で存在できるよう、あえて台座はつけない彫刻となっております。 常に「作品のセカンドインパクトについて考えている、つまり、展覧会で作品を鑑賞したあとに、スーパーでリンゴを眺めてしまった時のこと、それこそが僕の最も注視すべきことです。リンゴに限りませんが、ちゃんとリンゴを見ると、果物のリンゴのほうが僕の作ったものよりも嘘っぽいものがたくさんありますよ。世界は本物よりも本物らしさでできているのかもしれません。」<2018年個展「あ、あな、あなた」カタログのインタビューより>と語る雨宮にとって、溶けたりんごの彫刻を介して、この世界の不確からしさを鑑賞者が感知し、ひるがえってこの世界を興味深く眺めてほしいとの願いがこめられているのです。 「あっちだと思っていた世界は思ったよりもこっちに近く、こっちはあっちにすでに溶け出しているのかもしれません。こっちだと思っていた場所は意外とあっちのすぐそばにあったのです」<2018年個展「あ、あな、あなた」カタログのインタビューより> After receiving a B.A at Tama Art University, Faculty of Art and Design, Oil Painting Course in 1999, Amemiya relocated to Europe in 2011 and completed an M.A at Sandberg institute (Amsterdam) in 2013. He currently resides in Berlin. Amemiya has challenged viewers to rethink through the boundary on universal matters that are not recognized in the everyday life through his works of varied media including sculpture, video installation, and performance. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/amemiya_yosuke.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 385,000 SOLD OUT
 
Apple
Apple
title : Apple artist:Yosuke Amemiya / 雨宮庸介 year:2020 media:oil painting on wood size: H10.5 × W8 × D7 cm *It will take at least 2 weeks before shipping. / 発送までに2週間程、頂戴いたします。 1975年茨城県生まれ、現在ベルリン在住の雨宮は、Sandberg Institute(アムステルダム)Fine Art Course 修士課程を首席で修了。ドローイング、彫刻、油彩、映像インスタレーション、パフォーマンスなど多岐にわたるメディウムによって作品を制作しています。「六本木クロッシング2010展:芸術は可能か?」(森美術館)、「DOMANI ・明日展」(国立新美術館、2018)では数ヶ月間にわたる会期の全開館時間に在廊し、パフォーマンスをおこないました。また、900枚以上に及ぶドローイングシリーズに着手したり、2014年から3314年までかかるプロジェクト「1300年持ち歩かれた、なんでもない石」 (https://ishimochi.com) を開始したりするなど、既存のアートの範疇にとどまらない活動をする美術家です。 様々な表現手段により世界の本質に迫る雨宮作品ですが、今回は過去作品が完売している人気の「果物シリーズ」より数点を出品いたします。 本作は、雨宮の代表作と言える「溶けたリンゴ」のシリーズです。プロジェクト毎に表現方法を変化させてきた雨宮にとって、最初期からほぼ唯一継続している雨宮の美術活動の根源的な作品と言えるでしょう。溶けたリンゴのシリーズは、初めて発表した2005年の水戸芸術館からこれまでに、国内外の美術館やアートセンターで数多く発表されてきました。また日本の美術雑誌の掲載や表紙のみならず、Flash Art など海外の有力美術雑誌にも紹介されてきました。 今回は2014年に雨宮がベルリンに移住した直後に作られ、未発表だった作品を2点出品します。初期の溶けたりんごは粘土を型取りしプラスティックで成型された作品でしたが、拠点をベルリンに移すと同時に木彫で制作をはじめました。本作は、木彫で制作された最初期の一つにあたり、底面には中刳り(なかぐり)された木材を確認することができます。溶けたりんごのシリーズは、所有された方の日常に近距離で存在できるよう、あえて台座はつけない彫刻となっております。 常に「作品のセカンドインパクトについて考えている、つまり、展覧会で作品を鑑賞したあとに、スーパーでリンゴを眺めてしまった時のこと、それこそが僕の最も注視すべきことです。リンゴに限りませんが、ちゃんとリンゴを見ると、果物のリンゴのほうが僕の作ったものよりも嘘っぽいものがたくさんありますよ。世界は本物よりも本物らしさでできているのかもしれません。」<2018年個展「あ、あな、あなた」カタログのインタビューより>と語る雨宮にとって、溶けたりんごの彫刻を介して、この世界の不確からしさを鑑賞者が感知し、ひるがえってこの世界を興味深く眺めてほしいとの願いがこめられているのです。 「あっちだと思っていた世界は思ったよりもこっちに近く、こっちはあっちにすでに溶け出しているのかもしれません。こっちだと思っていた場所は意外とあっちのすぐそばにあったのです」<2018年個展「あ、あな、あなた」カタログのインタビューより> After receiving a B.A at Tama Art University, Faculty of Art and Design, Oil Painting Course in 1999, Amemiya relocated to Europe in 2011 and completed an M.A at Sandberg institute (Amsterdam) in 2013. He currently resides in Berlin. Amemiya has challenged viewers to rethink through the boundary on universal matters that are not recognized in the everyday life through his works of varied media including sculpture, video installation, and performance. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/amemiya_yosuke.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 330,000 SOLD OUT
 
Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌
Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌
title:Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌 artist:Rintaro Fuse / 布施琳太郎 year:2020 media:acrylic spray on wooden panel / 木製パネルにアクリルスプレー *framed size:53 × 53 × 2 cm 1994年 東京都生まれ。 iPhoneの発売以降の都市において可能な「新しい孤独」を、情報技術や文学、そして洞窟壁画をはじめとした先史美術への綿密なリサーチに基づいた作品制作、展覧会企画、テキストの執筆などを通じて模索、発表している。 Born in Tokyo in 1994. In society after the launch of the iPhone, he is exploring and presenting "New Loneliness" through the creation of artworks, exhibition projects and essays based on his in-depth research into information technology, literature and prehistoric art forms include cave paintings. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/jumbo_suzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 220,000 SOLD OUT
 
Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌
Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌
title:Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌 artist:Rintaro Fuse / 布施琳太郎 year:2020 media:acrylic spray on wooden panel / 木製パネルにアクリルスプレー *framed size:41 × 41 × 2 cm 1994年 東京都生まれ。 iPhoneの発売以降の都市において可能な「新しい孤独」を、情報技術や文学、そして洞窟壁画をはじめとした先史美術への綿密なリサーチに基づいた作品制作、展覧会企画、テキストの執筆などを通じて模索、発表している。 Born in Tokyo in 1994. In society after the launch of the iPhone, he is exploring and presenting "New Loneliness" through the creation of artworks, exhibition projects and essays based on his in-depth research into information technology, literature and prehistoric art forms include cave paintings. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/jumbo_suzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 165,000 SOLD OUT
 
Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌
Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌
title:Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌 artist:Rintaro Fuse / 布施琳太郎 year:2020 media:acrylic spray on wooden panel / 木製パネルにアクリルスプレー *framed size:41 × 41 × 2 cm 1994年 東京都生まれ。 iPhoneの発売以降の都市において可能な「新しい孤独」を、情報技術や文学、そして洞窟壁画をはじめとした先史美術への綿密なリサーチに基づいた作品制作、展覧会企画、テキストの執筆などを通じて模索、発表している。 Born in Tokyo in 1994. In society after the launch of the iPhone, he is exploring and presenting "New Loneliness" through the creation of artworks, exhibition projects and essays based on his in-depth research into information technology, literature and prehistoric art forms include cave paintings. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/jumbo_suzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 165,000 SOLD OUT
 
Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌
Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌
title:Plasticity Faciality / プラスチックの顔貌 artist:Rintaro Fuse / 布施琳太郎 year:2020 media:acrylic spray on wooden panel / 木製パネルにアクリルスプレー *framed size:41 × 41 × 2 cm 1994年 東京都生まれ。 iPhoneの発売以降の都市において可能な「新しい孤独」を、情報技術や文学、そして洞窟壁画をはじめとした先史美術への綿密なリサーチに基づいた作品制作、展覧会企画、テキストの執筆などを通じて模索、発表している。 Born in Tokyo in 1994. In society after the launch of the iPhone, he is exploring and presenting "New Loneliness" through the creation of artworks, exhibition projects and essays based on his in-depth research into information technology, literature and prehistoric art forms include cave paintings. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/jumbo_suzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 165,000 SOLD OUT
 
HTZK YUNOMI SET
HTZK YUNOMI SET
title:HITOTZUKI PAINT CAN YUNOMI TUMBLER SET artist:Hitotzuki / ヒトツキ media:ceramics・Made in Japan / 陶器・日本製 size:W7. 5 x H10.7 cm each ※掲載の写真・イメージは実際の商品とは色味・仕様が若干異なる場合もございますので予めご了承下さい。 ※写真に掲載されているペンキ缶は商品には付属しておりません。Paint cans are not included. HITOTZUKIは、リズミカルで力強いラインを描くKamiとシンメトリーなモチーフを繊細な色彩で描くSasuによるアーティスト・ユニットです。それぞれにソロとして活躍していましたが、1999年より共同制作をスタートさせ、初期はアメリカのストリートアートの代表的なムーブメントの1つ「Barnstormers」で活動。ヨーロッパ各国のミュラルムーブメントの発展に参加し、2004年イギリス URBIS美術館にて開催された「Ill Communication Ⅱ」に出品。その後日本においてもオルタナティブスペース「大図実験」への参加をはじめとし、2005年には「X-COLOR / Graffiti in Japan」(水戸芸術館現代美術センター)、2010年には「六本木クロッシング:芸術は可能か?」(森美術館)に出品しています。また台湾やベトナム等、アジア各国においても壁画を制作。世界各国のストリートアートの第一線に壁画表現を開拓し、いずれも高い評価を得ています。 HITOTZUKIはこれまで、公共空間のルールやストリートカルチャーのコミュニティーの価値観などをめぐる様々な状況に対し、対話と交渉を続けることによって自らの表現を練り上げてきました。また描かれるモチーフは、二人の生い立ちや、関わりを持った文化からの影響を綿密に取り入れて生み出されたアイデンティティーの象徴であり、壁画制作のプロセスは、身体を使いフリーハンドで壁に直に描き進めて行くアクション的な行為を通じて壁画として記録されます。 HITOZUKI is an artist unit consisted of Kami who draws rhythmical dynamic lines, and Sasu who creates symmetry motifs with delicate sense of colors. Their collaborative work started since 1999. Their style of drastically altering urban landscapes with murals and other activities allow new lives to breathe into spaces, and their expressions of expanding the boundaries of street culture have been influencing artists in Japan and worldwide. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hitotzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 6,380
 
clay mask
clay mask
title:clay mask artist:Jumbo Suzuki / ジャンボスズキ year:2020 media:oil on canvas size: H65 × W50 cm 1980年生まれのジャンボスズキは、2007 年名古屋造形大学美術学科卒業後、2008 年「VOCA 展」 (上野の森美術館)、2010 年「TDW-ARTジャラパゴス展」(Tokyo Designers Week / 明治神宮外苑絵画館前)、2011 年「Art in an Office」(豊田市美術館)等数々のグループ展に出品し、着実に力をつけてきたペインターです。 ジャンボスズキの作品は、容易には読み取る事が出来ない不可思議さに満ちています。一枚のキャンバスの中に、物質的・空間的・時間的に何ら関係性を持たない「モノ」たちが共存しています。単色で塗られた色彩を背景に、不可思議なモノがあちこちに配置されている上、そのモノの中にはそれぞれに質感の異なる「何か」が描きこまれているのです。しかもそのほとんどにおいて、形状はあるべき質感を備えていません。我々が認知する「物質」の概念を裏切り微妙にずれて成立しているが故に感じる形状と質感の組み合わせの奇妙さ・唐突さは、観る者に感覚的な居心地の悪さを引き起こします。また、なぜそれらが同一画面上に描かれているのかを理解するのに必要なヒントとなる媒介物が存在していないので、鑑賞者は自然に、ジャンボスズキの絵を読み解こうと自身の創造力や感性、記憶を呼び覚ますことになるのです。 ジャンボスズキは自身の制作プロセスについて、こう語っています。「小学生の頃、漢字ドリルが大嫌いでした。お手本をなぞって繰り返すのが苦痛でした。予備校生の頃、静物デッザンが苦手でした。形が取れず失敗ばかりしていました。どうやら、目の前に正解をおかれると、どうにも手が出しづらいのだと思います。今もそれは変わらないのですが、頭の中に正解を置いてしまうと、一転して描くのが楽しくなります。曖昧な記憶を元に想像した物は、刻々と変化していき、忠実に再現しようとすればする程、絵が思わぬ方向に進んで行くからです」。ジャンボスズキは、あくまで自由に自らの記憶と創造力、感覚をたよりに、ひたすら自身の頭に浮かぶそのイメージをたどり、時にはイメージ同士を連想させながら、彼独自の世界を創りあげているのです。絵画ならではの世界の見え方や広がりの可能性、絵画の豊かさと愉悦を存分に体感ください。 Jumbo Suzuki’s work is full of mysteries and cannot be comprehended easily. All the “things” are coexisting in one painting regardless of the questions of materiality, space and time. Against a uniform and monochrome background, not only mysterious “things” are set here and there, but a different texture is painted inside these “things”, and for most of the cases, the form does not match with the texture as it should do. Jumbo Suzuki’s work seems slightly off-set and betrays the principle of “substance” as we all know it. The abruptness and the queerness of this combination of textures and forms contain something sinister and provoke a somehow uncomfortable feeling in the perception of the viewer. Moreover, as there is no intermediate or medium to give the observer a hint about how to understand why those things are painted on a same surface, naturally we try to search our own memories and to use our imagination and perceptions in order to read the work. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/jumbo_suzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 165,000
 
night mask
night mask
title:night mask artist:Jumbo Suzuki / ジャンボスズキ year:2020 media:oil on canvas size: H50 × W60.5 cm 1980年生まれのジャンボスズキは、2007 年名古屋造形大学美術学科卒業後、2008 年「VOCA 展」 (上野の森美術館)、2010 年「TDW-ARTジャラパゴス展」(Tokyo Designers Week / 明治神宮外苑絵画館前)、2011 年「Art in an Office」(豊田市美術館)等数々のグループ展に出品し、着実に力をつけてきたペインターです。 ジャンボスズキの作品は、容易には読み取る事が出来ない不可思議さに満ちています。一枚のキャンバスの中に、物質的・空間的・時間的に何ら関係性を持たない「モノ」たちが共存しています。単色で塗られた色彩を背景に、不可思議なモノがあちこちに配置されている上、そのモノの中にはそれぞれに質感の異なる「何か」が描きこまれているのです。しかもそのほとんどにおいて、形状はあるべき質感を備えていません。我々が認知する「物質」の概念を裏切り微妙にずれて成立しているが故に感じる形状と質感の組み合わせの奇妙さ・唐突さは、観る者に感覚的な居心地の悪さを引き起こします。また、なぜそれらが同一画面上に描かれているのかを理解するのに必要なヒントとなる媒介物が存在していないので、鑑賞者は自然に、ジャンボスズキの絵を読み解こうと自身の創造力や感性、記憶を呼び覚ますことになるのです。 ジャンボスズキは自身の制作プロセスについて、こう語っています。「小学生の頃、漢字ドリルが大嫌いでした。お手本をなぞって繰り返すのが苦痛でした。予備校生の頃、静物デッザンが苦手でした。形が取れず失敗ばかりしていました。どうやら、目の前に正解をおかれると、どうにも手が出しづらいのだと思います。今もそれは変わらないのですが、頭の中に正解を置いてしまうと、一転して描くのが楽しくなります。曖昧な記憶を元に想像した物は、刻々と変化していき、忠実に再現しようとすればする程、絵が思わぬ方向に進んで行くからです」。ジャンボスズキは、あくまで自由に自らの記憶と創造力、感覚をたよりに、ひたすら自身の頭に浮かぶそのイメージをたどり、時にはイメージ同士を連想させながら、彼独自の世界を創りあげているのです。絵画ならではの世界の見え方や広がりの可能性、絵画の豊かさと愉悦を存分に体感ください。 Jumbo Suzuki’s work is full of mysteries and cannot be comprehended easily. All the “things” are coexisting in one painting regardless of the questions of materiality, space and time. Against a uniform and monochrome background, not only mysterious “things” are set here and there, but a different texture is painted inside these “things”, and for most of the cases, the form does not match with the texture as it should do. Jumbo Suzuki’s work seems slightly off-set and betrays the principle of “substance” as we all know it. The abruptness and the queerness of this combination of textures and forms contain something sinister and provoke a somehow uncomfortable feeling in the perception of the viewer. Moreover, as there is no intermediate or medium to give the observer a hint about how to understand why those things are painted on a same surface, naturally we try to search our own memories and to use our imagination and perceptions in order to read the work. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/jumbo_suzuki.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 165,000
 
Wall / 壁
Wall / 壁
title:Wall / 壁 artist:Korehiko Hino / 日野之彦 year:2020 media:oil on canvas sheet size:H116.7 × W91 cm 2005年のVOCA賞受賞後、インパクトの強い人物像を描く独特の画風が一躍注目されることとなった日野之彦。その後は、静物画や風景画、水彩、色鉛筆によるドローイング、彫刻作品などあらゆるメディアでの表現に挑戦し続けてきました。 日野は筑波大学在学中、人体や静物画のデッサンを多く描いてきたと語ります。現在の日野が描く現実とも非現実とも捉えることのできるギリギリの境界線上に存在する世界観は、大学時代からの修練による画力のもとに成立していると言えるでしょう。 インパクトの強い人物像という独特の作風が注目され続けてきた日野ですが、人物像のモチーフは多彩なバリエーションがあるものの、これまではほとんどが作家本人の身体でした。 日野は今回あえてモデルを描くことに挑戦した理由を「あらためて生身の人間の存在感を目の前で感じとってみること」を重要視したためと説明しています。2015年に彫刻制作に取り組んだ際、同じ角度からでも距離によって人体の見え方が異なることへの気づきがきっかけとなったと語っています。「これまで人物像を描くにあたって、顔つきや体つきを変形させて、特異なイメージを探ってきた。ここにきて、人体を変形させるための新しい基準を見つけたという思いだった」とも説明しているように、自分以外の生身の人間を眼前におくことで、自身とモデルとの距離によって生じる見え方の違いに興味をひかれたと言います。全身を俯瞰する時には数メートル離れ、細部を観察する時には接近するという具合に、距離によって異なる見え方をするモデルの諸要素を一つの人物像に統合しています。その結果、肌の質感や毛髪、身体の形状や瞳の映り込みにいたるまで、より鮮明に描かれることとなり、これまでの作品と同様、モデルの感情や個性といったアイデンティティは排除され、今まで以上に人体の存在そのものに肉薄しています。 Korehiko Hino dramatically acquired attention after he had won the VOCA Prize in 2005 for his unique style of conspicuous portraits. Since then, Hino has continuously attempted to expand his practice into varied genres and media including still life, landscape, watercolor, colored pencil drawing, sculpture, and more others. Hino speaks that he drew a number of portraits and still lifes while studying in University of Tsukuba. Perhaps the unique world in his recent works, which lies right on the boundary between the reality and the unreality, were possible by the drawing skills he acquired through repetitive trainings he had been continuing since university. Since receiving the VOCA Prize in 2005, Hino has consistently acquired attention for his unique conspicuous portraits that come from a wide variety of motifs, which most of them depict the artist’s own body. Hino explains the reason why he challenged to depict models this time was because he put his utmost importance on “sensing the presence of a real human being right in front of my eyes.” He also commented that when he created sculptures in 2015, he noticed that humans bodies looked differently when seen from a different distance even when seen from the same angle, which inspired him to create model portraits on this occasion. As he explained that he had been “constantly exploring distinctive images through deforming facial and body features in past portraits, and these new works had given him the sense of discovery of a new standard in deformation of a human body,” his interest was drawn to how the subject matter can be seen differently depending on the distance between the model and himself. The elements of the model, which look different depending on the distance—for example a few meters away when looking down at the whole body, and approaching closer when observing details—are integrated into one figure. As a result, the texture of the skin, the hair, the shape of the body and the reflection of the eyes are drawn more clearly, and the identity such as the emotion and individuality of the model is eliminated as in the previous works, and approaches closer to the very existence of the human body more than ever. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hino_korehiko.html Please do not proceed with the payment if you live outside Japan. Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" for the estimate of the shipment fee.
¥ 2,090,000
 
Slightly Tilting / 少し傾く
Slightly Tilting / 少し傾く
title:Slightly Tilting / 少し傾く artist:Korehiko Hino / 日野之彦 year:2020 media:oil on canvas sheet size:H60.6 × W50 cm 2005年のVOCA賞受賞後、インパクトの強い人物像を描く独特の画風が一躍注目されることとなった日野之彦。その後は、静物画や風景画、水彩、色鉛筆によるドローイング、彫刻作品などあらゆるメディアでの表現に挑戦し続けてきました。 日野は筑波大学在学中、人体や静物画のデッサンを多く描いてきたと語ります。現在の日野が描く現実とも非現実とも捉えることのできるギリギリの境界線上に存在する世界観は、大学時代からの修練による画力のもとに成立していると言えるでしょう。 インパクトの強い人物像という独特の作風が注目され続けてきた日野ですが、人物像のモチーフは多彩なバリエーションがあるものの、これまではほとんどが作家本人の身体でした。 日野は今回あえてモデルを描くことに挑戦した理由を「あらためて生身の人間の存在感を目の前で感じとってみること」を重要視したためと説明しています。2015年に彫刻制作に取り組んだ際、同じ角度からでも距離によって人体の見え方が異なることへの気づきがきっかけとなったと語っています。「これまで人物像を描くにあたって、顔つきや体つきを変形させて、特異なイメージを探ってきた。ここにきて、人体を変形させるための新しい基準を見つけたという思いだった」とも説明しているように、自分以外の生身の人間を眼前におくことで、自身とモデルとの距離によって生じる見え方の違いに興味をひかれたと言います。全身を俯瞰する時には数メートル離れ、細部を観察する時には接近するという具合に、距離によって異なる見え方をするモデルの諸要素を一つの人物像に統合しています。その結果、肌の質感や毛髪、身体の形状や瞳の映り込みにいたるまで、より鮮明に描かれることとなり、これまでの作品と同様、モデルの感情や個性といったアイデンティティは排除され、今まで以上に人体の存在そのものに肉薄しています。 Korehiko Hino dramatically acquired attention after he had won the VOCA Prize in 2005 for his unique style of conspicuous portraits. Since then, Hino has continuously attempted to expand his practice into varied genres and media including still life, landscape, watercolor, colored pencil drawing, sculpture, and more others. Hino speaks that he drew a number of portraits and still lifes while studying in University of Tsukuba. Perhaps the unique world in his recent works, which lies right on the boundary between the reality and the unreality, were possible by the drawing skills he acquired through repetitive trainings he had been continuing since university. Since receiving the VOCA Prize in 2005, Hino has consistently acquired attention for his unique conspicuous portraits that come from a wide variety of motifs, which most of them depict the artist’s own body. Hino explains the reason why he challenged to depict models this time was because he put his utmost importance on “sensing the presence of a real human being right in front of my eyes.” He also commented that when he created sculptures in 2015, he noticed that humans bodies looked differently when seen from a different distance even when seen from the same angle, which inspired him to create model portraits on this occasion. As he explained that he had been “constantly exploring distinctive images through deforming facial and body features in past portraits, and these new works had given him the sense of discovery of a new standard in deformation of a human body,” his interest was drawn to how the subject matter can be seen differently depending on the distance between the model and himself. The elements of the model, which look different depending on the distance—for example a few meters away when looking down at the whole body, and approaching closer when observing details—are integrated into one figure. As a result, the texture of the skin, the hair, the shape of the body and the reflection of the eyes are drawn more clearly, and the identity such as the emotion and individuality of the model is eliminated as in the previous works, and approaches closer to the very existence of the human body more than ever. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hino_korehiko.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 786,500
 
Standing by the Window / 窓際に立つ
Standing by the Window / 窓際に立つ
title:Standing by the Window / 窓際に立つ artist:Korehiko Hino / 日野之彦 year:2020 media:oil on canvas sheet size:H60.6 × W50 cm 2005年のVOCA賞受賞後、インパクトの強い人物像を描く独特の画風が一躍注目されることとなった日野之彦。その後は、静物画や風景画、水彩、色鉛筆によるドローイング、彫刻作品などあらゆるメディアでの表現に挑戦し続けてきました。 日野は筑波大学在学中、人体や静物画のデッサンを多く描いてきたと語ります。現在の日野が描く現実とも非現実とも捉えることのできるギリギリの境界線上に存在する世界観は、大学時代からの修練による画力のもとに成立していると言えるでしょう。 インパクトの強い人物像という独特の作風が注目され続けてきた日野ですが、人物像のモチーフは多彩なバリエーションがあるものの、これまではほとんどが作家本人の身体でした。 日野は今回あえてモデルを描くことに挑戦した理由を「あらためて生身の人間の存在感を目の前で感じとってみること」を重要視したためと説明しています。2015年に彫刻制作に取り組んだ際、同じ角度からでも距離によって人体の見え方が異なることへの気づきがきっかけとなったと語っています。「これまで人物像を描くにあたって、顔つきや体つきを変形させて、特異なイメージを探ってきた。ここにきて、人体を変形させるための新しい基準を見つけたという思いだった」とも説明しているように、自分以外の生身の人間を眼前におくことで、自身とモデルとの距離によって生じる見え方の違いに興味をひかれたと言います。全身を俯瞰する時には数メートル離れ、細部を観察する時には接近するという具合に、距離によって異なる見え方をするモデルの諸要素を一つの人物像に統合しています。その結果、肌の質感や毛髪、身体の形状や瞳の映り込みにいたるまで、より鮮明に描かれることとなり、これまでの作品と同様、モデルの感情や個性といったアイデンティティは排除され、今まで以上に人体の存在そのものに肉薄しています。 Korehiko Hino dramatically acquired attention after he had won the VOCA Prize in 2005 for his unique style of conspicuous portraits. Since then, Hino has continuously attempted to expand his practice into varied genres and media including still life, landscape, watercolor, colored pencil drawing, sculpture, and more others. Hino speaks that he drew a number of portraits and still lifes while studying in University of Tsukuba. Perhaps the unique world in his recent works, which lies right on the boundary between the reality and the unreality, were possible by the drawing skills he acquired through repetitive trainings he had been continuing since university. Since receiving the VOCA Prize in 2005, Hino has consistently acquired attention for his unique conspicuous portraits that come from a wide variety of motifs, which most of them depict the artist’s own body. Hino explains the reason why he challenged to depict models this time was because he put his utmost importance on “sensing the presence of a real human being right in front of my eyes.” He also commented that when he created sculptures in 2015, he noticed that humans bodies looked differently when seen from a different distance even when seen from the same angle, which inspired him to create model portraits on this occasion. As he explained that he had been “constantly exploring distinctive images through deforming facial and body features in past portraits, and these new works had given him the sense of discovery of a new standard in deformation of a human body,” his interest was drawn to how the subject matter can be seen differently depending on the distance between the model and himself. The elements of the model, which look different depending on the distance—for example a few meters away when looking down at the whole body, and approaching closer when observing details—are integrated into one figure. As a result, the texture of the skin, the hair, the shape of the body and the reflection of the eyes are drawn more clearly, and the identity such as the emotion and individuality of the model is eliminated as in the previous works, and approaches closer to the very existence of the human body more than ever. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hino_korehiko.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 786,500
 
Wrinkles on a Face / 顔のしわ
Wrinkles on a Face / 顔のしわ
title:Wrinkles on a Face / 顔のしわ artist:Korehiko Hino / 日野之彦 year:2019 media:oil on canvas sheet size:H53 × W45.5 cm 2005年のVOCA賞受賞後、インパクトの強い人物像を描く独特の画風が一躍注目されることとなった日野之彦。その後は、静物画や風景画、水彩、色鉛筆によるドローイング、彫刻作品などあらゆるメディアでの表現に挑戦し続けてきました。 日野は筑波大学在学中、人体や静物画のデッサンを多く描いてきたと語ります。現在の日野が描く現実とも非現実とも捉えることのできるギリギリの境界線上に存在する世界観は、大学時代からの修練による画力のもとに成立していると言えるでしょう。 インパクトの強い人物像という独特の作風が注目され続けてきた日野ですが、人物像のモチーフは多彩なバリエーションがあるものの、これまではほとんどが作家本人の身体でした。 日野は今回あえてモデルを描くことに挑戦した理由を「あらためて生身の人間の存在感を目の前で感じとってみること」を重要視したためと説明しています。2015年に彫刻制作に取り組んだ際、同じ角度からでも距離によって人体の見え方が異なることへの気づきがきっかけとなったと語っています。「これまで人物像を描くにあたって、顔つきや体つきを変形させて、特異なイメージを探ってきた。ここにきて、人体を変形させるための新しい基準を見つけたという思いだった」とも説明しているように、自分以外の生身の人間を眼前におくことで、自身とモデルとの距離によって生じる見え方の違いに興味をひかれたと言います。全身を俯瞰する時には数メートル離れ、細部を観察する時には接近するという具合に、距離によって異なる見え方をするモデルの諸要素を一つの人物像に統合しています。その結果、肌の質感や毛髪、身体の形状や瞳の映り込みにいたるまで、より鮮明に描かれることとなり、これまでの作品と同様、モデルの感情や個性といったアイデンティティは排除され、今まで以上に人体の存在そのものに肉薄しています。 Korehiko Hino dramatically acquired attention after he had won the VOCA Prize in 2005 for his unique style of conspicuous portraits. Since then, Hino has continuously attempted to expand his practice into varied genres and media including still life, landscape, watercolor, colored pencil drawing, sculpture, and more others. Hino speaks that he drew a number of portraits and still lifes while studying in University of Tsukuba. Perhaps the unique world in his recent works, which lies right on the boundary between the reality and the unreality, were possible by the drawing skills he acquired through repetitive trainings he had been continuing since university. Since receiving the VOCA Prize in 2005, Hino has consistently acquired attention for his unique conspicuous portraits that come from a wide variety of motifs, which most of them depict the artist’s own body. Hino explains the reason why he challenged to depict models this time was because he put his utmost importance on “sensing the presence of a real human being right in front of my eyes.” He also commented that when he created sculptures in 2015, he noticed that humans bodies looked differently when seen from a different distance even when seen from the same angle, which inspired him to create model portraits on this occasion. As he explained that he had been “constantly exploring distinctive images through deforming facial and body features in past portraits, and these new works had given him the sense of discovery of a new standard in deformation of a human body,” his interest was drawn to how the subject matter can be seen differently depending on the distance between the model and himself. The elements of the model, which look different depending on the distance—for example a few meters away when looking down at the whole body, and approaching closer when observing details—are integrated into one figure. As a result, the texture of the skin, the hair, the shape of the body and the reflection of the eyes are drawn more clearly, and the identity such as the emotion and individuality of the model is eliminated as in the previous works, and approaches closer to the very existence of the human body more than ever. for more information : http://snowcontemporary.com/artist/hino_korehiko.html Please do not proceed with the payment if you live outside of the EMS transportable area (https://www.post.japanpost.jp/int/ems/country/all_en.html). Please let us know the address to be shipped and contact "snow@officekubota.com" first for the estimate of the shipment fee. Import duties and taxes may be applied upon customs clearance into your country. In such cases, the recipient of the item will be responsible for those fees. Please pay these costs directly to the delivery agents or the customs office upon delivery. Additionally, taxes and duties differ by country. Please contact the customs office in your country for details.
¥ 610,500